Día: 16 septiembre, 2015

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“Premonición” (2000) dirigida por Sam Raimi (USA)

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  • FICHA TÉCNICA
  • Producida por James Jacks & Tom Rosenberg & Gary Lucchesi, producción ejecutiva de Sean Daniel & Gregory Goodman & Ted Tannebaum & Rob Tappert, producción asociada de Grant Curtis, co-producción de Richard S. Wright, producción de Lakeshore Entertainment & Paramount Pictures & Alphaville Films, guión de Billy Bob Thornton & Tom Epperson, fotografia de Jamie Anderson, musica de Christopher Young, montaje de Arthur Coburn, A.C.E & Bob Murawski, casting de Deborah Aquila, diseño de producción de Neil Spisak, decoración del set de Marthe Pineau, vestuario de Julie Weiss
  • FICHA ARTÍSTICA
  • Intérpretes: Cate Blanchett, Giovanni Ribisi, Keanu Reeves, Katie Holmes, Greg Kinnear, Hilary Swank, Kim Dickens, J.K. Simmons, Gary Cole, Michael Jeter, Rosemary Harris, Chelcie Ross, John Beasley

  • Género: Thriller. Duración: 1 hora 45 minutos

ARGUMENTO

Annie Wilson usa sus poderes telepáticos para adivinar la suerte de sus vecinos en una pequeña localidad de Georgia. Viuda y con tres hijos que mantener, Annie lucha por poder mantener a su familia a la vez que soporta la dura carga de tener que sufrir en sí misma los problemas de todo el pueblo que acude para una consulta, una tirada de cartas o solicitando ayuda. Además sufre las violentas amenazas de Donnie, el peligroso marido de una de sus clientas. Tras la desaparición de la joven Jessica King, la policía, incapaz de hallar pistas sobre su paradero, solicita la ayuda de Annie.
CRÍTICA
Sam Raimi es un actor, guionista, productor y director de cine estadounidense. Nacido en Royal Oak en 1959 en el seno de una familia de emigrantes judíos rusos por línea paterna y húngara por la materna, fue educado en el cristianismo ortodoxo, criándose en Birmingham y Michigan. Quedó fascinado con la realización de películas cuando su padre trajo a casa una cámara de cine y luego hizo películas de “Super 8” con su amigo y colaborador Bruce Campbell. En la Universidad colaboró con su hermano Ted, sus amigos Robert Tappert y Bruce Campbell  para realizar un par de cortos que tuvieron mucho éxito.
Debutó en cine como director  con  el film de serie B “Posesión infernal” (1981), principio de una trilogia completada con “Terroríficamente muertos” (1986) y “El ejército de las tinieblas” (1992), que mezclaban terror, humor negrísimo y gran violencia, protagonizada por su actor fetiche Bruce Campbell (que ha hecho cameos en otros film de sus director). También dirigió “Ola de crímenes, ola de risas” (1985), alocada comedia negra co-escrita con los hermanos Coen y “Darkman” (1990), inteligente film de superhéroes con Liam Neeson. Después realizó films con estudios importantes y presupuestos millonarios como el curioso western “Rápida y mortal” (1995), el terrible drama “Un plan sencillo” (1998), el film de baseball “Entre el amor y el juego”(1999) o “Premonición ” (2000). Después realizó su personal trilogía sobre “Spider- Man” (2002,04,07), la terrorífica “Arrástrame al infierno” (2009) y “Oz, un mundo de fantasía” (2013). También ha producido “El gran salto” (1994) de los Coen y  trabajado en T.V en series como “Hércules” (1995-99) o “Xena” (1995-2001).
 He visto 8 de sus películas y me parece un director muy interesante.
“Premonición” es una historia que mezcla drama, thriller y terror. Raimi la dirige muy bien, apoyado por el solido guión, una estupenda fotografía,una evocadora música y unas excelentes interpretaciones de su estupendo reparto, sobre todo la gran Cate Blanchett. El tono es duro y a veces violento, pero no aburre en ningún momento y trata temas de interés. Una película altamente recomendable.
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“Lincoln» (2012) de Steven Spielberg (USA)

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FICHA TÉCNICA
Producida por Steven Spielberg & Kathleen Kennedy, producción ejecutiva de Daniel Luppi & Jeff Skoll & Jonathan King, co-producción de Adam Somner & Kristie Macosko Krieger, producción de 20th Century Fox & Dreamworks SKG & Amblin Entertainment & The Kennedy/Marshall Company & Participant Media & Reliance Entertainment & Dun Entertainment, guión de Tony Kushner (basado parcialmente en el libro «Equipo de Rivales: El genio político de Abraham Lincoln» de Doris Kearns Goodwin), fotografia de Janusz Kaminski, musica de John Williams, montaje de Michael Kahn, casting de Avy Kaufman, diseño de producción de Rick Carter, direccion artística de Curt Beech & David Crank & Leslie McDonald, decoración del set de Jim Erickson, vestuario de Joanna Johnston
FICHA ARTÍSTICA
Interpretes: Daniel Day-Lewis, Sally Field, David Strathairn, Tommy Lee Jones, James Spader, Hal Holbrook, Joseph Gordon-Levitt, Tim Blake Nelson, John Hawkes, Jackie Earle Haley, Lee Pace, David Costabile, Jeremy Strong, Bruce McGill, Jared Harris, Julie White, Michael Stuhlbarg, Joseph Cross, Peter McRobie, Gulliver Pendleton, Gloria Reuben, Boris McGiver, Stephen McKinley Henderson, Walton Goggins, Gregory Itzin, Adam Driver, Elizabeth Marvel, Colman Domingo, David Oyelowo, Jeremy Strong
ARGUMENTO
Enero de 1865. Estados Unidos lleva cuatro años desangrándose en una terrible guerra civil después que los Estados del sur proclamaran su secesión de la Unión. En ese tiempo el Presidente Abraham Lincoln ha declarado la emancipación de los esclavos arrogándose poderes especiales en tiempos de guerra, y acaba de ser reelegido para ocupar de nuevo la Casa Blanca. La lucha fratricida podría estar llegando a su fín, pues las autoridades del sur desean negociar una paz honrosa; pero Lincoln tiene la intención de lograr antes la votación en el Congreso de la decimotercera enmienda de la Constitución, que aboliría de una vez la esclavitud; el desafío consiste no solo en lograr los apoyos políticos necesarios- cuenta con los republicanos de su partido pero debe ganar votos entre los demócratas, sino el dilema de posponer la polémica votación, para llegar a la paz cuanto antes, lo que dejaría sin resolver la cuestión esclavista.
Genero: Drama histórico. Duración. 2 horas 20 minutos. 2 Oscars (mejor actor, dirección artística). Globo de Oro a mejor actor dramático. BAFTA a mejor actor
CRÍTICA
Steven Spielberg (1946) es guionista, productor y director de cine de USA. Nacido en Cincinatti, Ohio en el seno de una familia judía, pasó su infancia en Phoenix, Arizona. A los 12 años empieza su pasión por el cine, ya que empieza a filmar películas caseras con la cámara de su padre, de varios géneros, incluso una de ciencia ficción  “Fireligh” (1963) de 2 horas y media que estrena en el cine de su pueblo. De carácter solitario, soñador e imaginativo, muchas de sus películas provienen de experiencias de su infancia. A mediados de los 60, tras divorciarse sus padres se muda a Los Ángeles, donde no consigue entrar en la USC para estudiar cine, pero realiza varios cortos experimentales. Uno de ellos “Amblin” (1968) llama la atención de la productora Universal que le contrata para trabajar en T.V, donde realiza episodios de “Galería Nocturna” (1969), “Marcus Welby” (1971) o “Colombo” (1971).
Realiza en 1971 su primera película “El diablo sobre ruedas” (1971), filmada para televisión pero su extraordinaria calidad hace que empiece a ser conocido. Tras rodar 2 películas mas para T.V debuta en el cine con “Loca Evasión” (1974), brillante road-movie con Goldie Hawn, pero su consagración llega con la magistral “Tiburón” (1975).
Desde entonces ha destacado en géneros como la ciencia-ficción con  inolvidables títulos como “Encuentros en la 3º Fase” (1977), “E.T” (1982), “Inteligencia artificial ” (2001), “Minority Report” (2002), la aventura en su inolvidable saga de Indiana Jones (1981,84,89,2008), intensos dramas como “El color púrpura” (1985), “El imperio del sol” (1987), “La lista de Schindler” (1993), “Salvar al soldado Ryan” (1998) o “Munich” (2005) o tragicomedias como “Atrapame si puedes” (2002) y “La terminal” (2004). En 2011, tras rodar la adaptación animada “Las aventuras de Tintín. El secreto del Unicornio” (2011) y la bélica “Caballo de batalla” (2011) ha rodado «Lincoln».  Ha ganado dos Oscars y varios premios mas sin contar su faceta de productor que nos ha dado algunos inolvidables títulos como  “Poltergeist” (1982)”Gremlins” (1984), “Los goonies” (1985), trilogía de “Regreso al futuro” (1985,89, 90), “¿Quien engaño a Roger Rabbit” (1988), entre otras.
Lincoln es una de sus mejores películas. Spielberg dirige muy bien, como siempre (es un director muy visual), el guión es muy bueno,  con jugosos personajes y situaciones, la fotografía , música y montaje son maravillosos y  los actores están soberbios, sobretodo Daniel Day Lewis, dentro de un excelente reparto. Todo se enriquece con sabias reflexiones sobre la política, la libertad, la justicia, la familia y la guerra. Una gran película, recomendada a los fans de Spielberg, a los amantes de la historia y al cine de calidad.
de

«La caza» (2012) de Thomas Vintenberg. (DINAMARCA)

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FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Madds Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Annika Wedderkopp, Lasse Folgestrom, Susse World, Anna Louise Hassing, Lars Ranthe, Alexandra Rapaport, Sebastian Bull, Steen Ordell Gulbrand, Daniel Engstrup, Troels Thorsten, Soren Ronholt
ARGUMENTO
Lucas trabaja en el parvulario de un pueblecito danés. Los niños le adoran y el disfruta con ellos. Divorciado recientemente, añora a su hijo adolescente Marcus, al que ve poco. Perfectamente integrado en la comunidad local, ha iniciado una nueva relación y forma parte de un grupo de cazadores que comparten alegre camaradería.
 Tal equilibrio va a sufrir un vuelco cuando la pequeña Klara, hija de su mejor amigo, hace creer a la directora del parvulario que ha sufrido abusos sexuales. Lo que empieza como una piedrecita se convierte en inmensa bola de nieve que podría arrollar su complicada existencia.
CRÍTICA
Thomas Vintenberg (1969) es un director de cine danés, que junto a Lars Von Trier, fundó el movimiento “Dogma 95”, que estableció estrictas reglas para simplificar la producción de películas. Esta propuesta tan radical y agresiva produjo 12 películas antes de desaparecer.
Nacido en Copenhage (Dinamarca), en 1993 se graduó en la Escuela Nacional de cine de Dinamarca con “Last round”, que ganó el jurado y los premios de los productores en el Festival de Escuela de cine de Munich y el 1º premio en Tel Aviv (Israel). Ese año hizo su primera serie de T.V y su cortometraje de ficción “El niño que caminó hacia atrás”. (premiado en varios Festivales). En 1995  fundo el movimiento “Dogma 95” junto a Lars Von Trier, Christian Levring y Seren Krag-Jacobsen y año después debutó en el cine con “Los héroes más grandes” (1996) road-movie de enorme éxito.
En 1998 dirigió “Celebración” (1998), durísimo drama familiar y primera de “Dogma 95” que tuvo enorme éxito y premios como Jurado  en Cannes 98.
A continuación rodó “Es todo sobre el amor” (2003) ciencia-ficción apocalíptica rodada en inglés y con reparto americano y “Querida Wendy” (2005), una extraña coproducción rodada en USA, que no tuvieron éxito  así como un intento de recuperar sus raíces, “Un hombre vuelve a casa” (2007). Pero con “Submarino” (2010) y “La caza” (2012) ha recuperado su prestigio.
“La caza” está muy bien dirigida, con gran personalidad visual, un guión de hierro, una fotografía realista, una inquietante música y una excelente dirección de actores, sobretodo Madds Mikkelsen. Influida por “La calumnia” (1961) de William Wyler y “La jauría humana” (1966) de Arthur Penn, entre otras, critica la hipocresía de la sociedad actual, que dice proteger a los niños de los pederastas pero está obsesionada por el sexo e inculpa a inocentes basándose solo en rumores. En este sentido hay algunas escenas inquietantes, a veces violentas, que muestra la condena moral que sufre el protagonista, un buen hombre que no hizo nada. Es una película muy dura pero muy valiosa y la recomiendo para los amantes del buen cine.
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“El pequeño salvaje” (1970) de Francois Truffaut. (FRANCIA)

  • FICHA TÉCNICA
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  • Producida por Marcel Barbert, guión de Francois Truffaut & Jean Gruault, fotografía de Nestor Almendros ( B/N), musica de autores clásicos, montaje de Angés Guillemot, decoración del set de Jean Mandaroux, vestuario de Gitt Magrini, maquillaje de Nicole Félix
  • FICHA ARTÍSTICA
  • Intérpretes: Francois Truffaut, Jean-Pierre Cargol, Francois Seigner, Jean Dasté, Annie Miller, Claude Miller, Paul Villé, Matthieu Schiffman.
  • Género: Drama de época verídico. Duración: 1 hora 21 minutos
ARGUMENTO
En el año 1798 encuentran en un bosque de Francia a un niño salvaje que no puede caminar, hablar, leer ni escribir. El Doctor Jean Itard se interesa por él e inicia su educación.
A pesar de que esa educación será lenta, costosa y posiblemente sin buenos resultados, Itard se entrega a ella, ayudada por su fiel y cariñosa ama de llaves, la Señora Guerin.
CRÍTICA
Francois Truffaut (1932-84) fue actor, guionista y director, uno de los mejores de su generación. Nacido en París de madre soltera, tardó muchos años en conocer a su padre. El arquitecto y decorador Roland Truffaut-compañero sentimental de su madre- le inscribió en el registro como hijo suyo. El pequeño Truffaut tuvo una relación bastante fría con su madre, que le dejaba al cuidado de una niñera, hasta que le rescató su abuela, que le contagió su amor por la literatura y la música. A la muerte de esta, tiene que volver a vivir con su madre y su compañero, pero ante la falta de cariño de estos, se refugia en la literatura y el cine, al que acude habitualmente.
No fue precisamente un estudiante modelo, se escapaba y mentía, sobre todo para poder ir al cine, y acabó convertido en un adolescente conflictivo que no paraba de meterse en lios. Parecía predestinado al reformatorio, donde fue recluido por su padrastro. Resultó providencial para Truffaut su encuentro con André Bazin, el patriarca de la crítica francesa. El chico había creado su propio cineclub, “Le cercle cinemanie”, que financiaba gracias a su trabajo como mensajero y “chico para todo” en un mercado. Sus sesiones no tenían el éxito esperado porque coincidían con las de Bazin. El chico, con solo 16 años, se fue a ver a Bazin para exigirle que cambiase el día de sus proyecciones. A este le cayó en gracia, se convirtió en su protector, y le contrató como secretario personal y para escribir sus revistas, lo cual le libraría del reformatorio. Truffaut se lo agradecería toda la vida.
En la Cinemacoteca Nacional del París fue donde más aprendió de cine, marcándole especialmente los clásicos del cine americano, sobre todo John Ford, Howard Hawks, Nicholas Ray y Alfred Hitchcock, al cual dedicaría años después un libro legendario (“El cine según Hitchock” publicado en 1966) . En la revista “Cahiers du cinema”– fundada por Bazín en 1951- Truffaut colaboraría con futuros directores como Jacques Rivette, Jean-Luc Goddard, Claude Chabrol y Eric Rohmer, todos con talento y que cambiarían para siempre el cine francés, fundando el célebre movimiento “Nouvelle Vague” creado por el propio Truffaut en 1954 y que se oponía al cine hecho en Francia, sobre todos a los films acartonados y producciones literarias, que no reflejaban el punto de vista personal del director. Ese mismo año Truffaut debuta tras la cámara con el corto “Una visite” y luego “Les Mistons” (1955).
Le ayudó a conseguir financiación y seguir rodando películas su matrimonio con Madeleine Morgenstein en 1957, hija de un importante distribuidor. Aunque tuvo dos hijas acabó divorciándose en 1965. En 1959 su suegro le financia su primer largometraje “Los cuatrocientos golpes”, desgarradora y sentida mirada a su infancia, y una de las primeras películas de la “Nouvelle Vague”. El film obtiene un gran éxito y numerosos premios. En 1960 rueda “Disparad sobre el pianista”, brillante homenaje a su admirado cine negro americano, basada en la novela de David Goolis, pero el film fracasa porque la gente no le gusta el cine de la “Nouvelle Vague” (les parece demasiado intelectual). Al final el movimiento se disgregó y sus autores se dedicaron a un cine más comercial. Obsesionado por analizar una infancia tan desastrosa como la suya, Truffaut inicio un saga con el Antoine Doinel (siempre interpretado por Jean-Pierre Leaud) en el corto “Antoine & Collette” del film colectivo “El amor a los veinte años” (1962), “Besos robados” (1968), “Domicilio conyugal” y “El amor en fuga” (1979), contando en todas ellas su vida y amores. También recuperó el tema de la infancia perdida en “El pequeño salvaje” (1970) y “La piel dura” (1976), sobre la relación de los educadores y los niños.
El cineasta también rindió homenaje a sus pasiones culturales recreando el mundo del cine en “La noche americana” (1973), homenajeando al teatro en “El último metro” (1980); reivindicó el valor de la lectura con “Fahrenheit 451” (1966), adaptación de la clásica novela de Ray Bradbury, “Diario íntimo de Adele H” (1975) y otras adaptaciones literarias como “La sirena del Mississippi” (1969), “Las dos inglesas y el amor” (1971), “La habitación verde” (1978) o “Vivamente el domingo” (1983), su último film. Truffaut nunca consiguió la estabilidad, tuvo muchas relaciones fallidas, y fue compañero de la actriz Fanny Ardant, con la que rodó tres películas. La búsqueda del amor y las relaciones sentimentales son dos de los grandes temas de su filmografía, presentes en film como “Jules et Jim” (1962) o “La piel suave”.
Aunque se convirtió en un director consagrado, nunca dejó de escribir sobre cine (el libro sobre Hitchock el ejemplo más conocido) y se convirtió en el inspirador para los directores americanos posteriores, especialmente para Steven Spielberg, seguidor suyo,  que le contrató para su magistral obra de ciencia-ficción “Encuentros en la 3º Fase” (1977), como científico francés que intentaba comunicarse con los extraterrestres. Truffaut murió a los 52 años, por un tumor cerebral. Con él se fue uno de los grandes maestros del cine.
“El pequeño salvaje” es una de sus mejores obras, donde trata el tema de la infancia. Su dirección, como siempre es muy buena, con cierto aire documental, que aumenta el realismo de la historia. El guión está muy bien desarrollado y permite el lucimiento de sus excelentes actores, sobre todo el propio Truffaut y el desconocido Jean-Pierre Cagol, magistral en su papel del niño salvaje Victor. Todo esto acompañado por un cuidado montaje, una bellísima fotografía del maestro Nestor Almendros y una cautivadora música (casi toda de Mozart y Vivaldi). El film tiene momentos muy duros (la morbosa visita de la gente a la clínica para satisfacer su curiosidad) y muy tiernos (la visita del doctor y el niño a unos vecinos) donde se critica las carencias e injusticias de la época y se aboga por la dignidad y la educación de las personas, incluso de las llamadas “anormales). En resumen, una bellísima y magistral película recomendada a los amantes del gran cine. 

 

de

“Elemental, Doctor Freud” (1976) producida y dirigida por Herbert Ross. (USA)

 
  • FICHA TÉCNICA
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  • Producción ejecutiva de Arlene Selllers & Alex Winitsky, producción asociada de Stanley 0’Toole, guión de Nicholas Meyer (basado en su novela, basada a su vez en las novela de Sherlock Holmes de Arthur Conan Doyle), fotografía de Oswald Morris, música de John Addison, montaje de Chris Barnes, casting de Rose Tobias Shaw, diseño de producción de Ken Adam, direccion artística de Peter Lamont, vestuario de Alan Barrett
  • FICHA ARTÍSTICA
  • Intérpretes: Nicol Williamson, Robert Duvall, Alan Arkin, Vanessa Redgrave, Laurence Olivier, Samantha Eggar, Charles Brown, Jeremy Kemp, Charles Gray,  Joel Grey, Georgia Brown, Regine. Anna Quayle, Jill Twonsend, John Bird, Alison Leagatt
  • Duración: 1 hora 48 minutos. Género: Thriller desmitificador decimonónico. Nominado a 2 Oscars (guion adaptado, vestuario)
ARGUMENTO
 Londres 1891. El famoso detective Sherlock Holmes malvive convertido en un cocainómano. Tras una larga ausencia, su inseparable compañero, el Doctor Watson, va a visitarlo.
Al encontrarlo en semejante estado, decide llevarlo a Viena, a la consulta del joven psicólogo Sigmund Freud, con la esperanza de que este le ayude a superar su adicción a las drogas.
A través del psicoanálisis y la hipnosis, Freud consigue adentrarse en el subconsciente del detective. Durante su convalecencia, Holmes conoce a una famosa actriz de teatro también drogadicta, que al poco tiempo es secuestrada.
CRÍTICA
Herbert Ross (1927-2001) fue un coreógrafo, actor, productor y director de cine estadounidense. Nacido en Brooklyn, Nueva York, debutó en el teatro como actor en 1942. Su carrera prosiguió los siguientes años en Broadway y en 1950 se inició como coreógrafo en el “American Ballett” (trabajando en el cine en 1954 para “Carmen Jones” film musical de Otto Preminger y en “Funny Girl” en 1968, de William Wyler).
En 1969 debutó como director de cine con el musical “Adiós, Mr Chips” (1969), con Peter 0’Toole y Petula Clark. Después, llegarían films emblemáticos como “Sueños de un seductor” (1971), “Funny Lady” (1975), “La pareja chiflada” (1975),  “Paso decisivo” (1977) o “La chica del adiós” (1977). En los ochenta su carrera fue discreta, excepto la maravillosa “Magnolias de acero” (1989). Su último film fue “Sólo ellas…los chicos a un lado” (1995).
“Elemental, Dr Freud” es una de sus películas más singulares. Basada en la novela apócrifa de Sherlock Holmes escrita por el guionista y luego notable Nicholas Meyer es uno de los films mas insólitos que he visto. La dirección de Ross es muy buena, el guión es muy inteligente (curioso como presenta al “genio del mal” Profesor Moriarty) que mezlca intriga, humor y thriller. Los actores están muy bien, nada sorprendente con el excelente reparto. La fotografía es preciosa, así como la vibrante partitura de John Addison.  Está muy conseguido el encuentro Holmes-Freud (el primero paranoico y cocainómano y el segundo muy inteligente) y se presenta a un Holmes más humano. En fín, una película estupenda (injusto fracaso en su época), recomendada a seguidores de Sherlock Holmes y de las “rarezas” cinematográficas.
de

“El gran golpe” (2012) de Choi Dong-Hoon (COREA DEL SUR)

  • FICHA TÉCNICA
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  • Producida por Ahn Soo-Hung, guión de Choi Dong-hoon & Lee Ki-cheol, producción ejecutiva de You Jeong-hun & Miky Lee & Myeong-chan Park, , producción de Showbox/Mediaplex & C. J Venture Investiment & KM Culture Co & Michigan Venture Capital, fotografía de Cho Young-hwan, musica de Jang Young-gyu Dalpalan, montaje de Shin Min-Kyung, diseño de producción de Lee Ha-jun, vestuario de Se-yeong Choi
  • FICHA ARTÍSTICA
  • Intérpretes: Kim Yun-seok, Kim Hye-soo, Lee Jung-jae, Gianna jun, Simon yam, Kim Hae-sook, Oh Dal-Soo, Kim Soo-hyun, Derek Tsang, Shin Ha-kyun, Lee Sinje, Angelica Lee, Kwok Cheung tsang.
  • Género: Thriller de ladrones. Duración: 2 horas 11 minutos. Presentada en el Festival de Sitges 2012
ARGUMENTO
Un grupo de ladrones internacionales se dispone a dar el golpe del siglo: robar un valioso diamante conocido como la “Lagrima del Sol” custodiado en un casino de Macao. Pero como el honor no existe entre ladrones, cada uno de ellos organiza por separado su propio y personal plan para ser el único que se quede con el botín.
CRÍTICA
Choi Dong-hoon es un guionista y  director de cine surcoreano. Nacido en Hangul en 1971, se gradúa en la prestigiosa Academia Coreana de Artes cinematográficas. Primero trabajó como ayudante de dirección para Im Sang-soo (que hace cameos en sus películas). En 2004, después de trabajar dos años en el guión, hizo su debut como director con “The Big Swindle”, un thriller, género que ha tratado en tres de sus cuatro películas. También ha rodado un cortometraje y un par de cameos como actor.  Se ha convertido en unos de los mas taquilleros y premiados directores de su país.
 “El gran golpe” es su cuarta película y la primera que he visto de él. El resultado es una cinta vibrante. La dirección es muy buena, el guión cuidado (aunque es poco original) y unos excelentes actores. Las escenas de acción están muy bien rodadas y el ritmo es muy fluido. Es poco novedoso porque recuerda a otras películas de robos, sobre todo “Ocean’s Eleven”, pero resulta muy entretenida.
de

“Dictado”(2012) de Antonio Chavarrías (ESPAÑA)

  • FICHA TÉCNICA
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  • Producción asociada de Mónica Lozano, producción delegada de Ángels Mascalns, guion de Antonio Chavarrias (basado en una historia original de Sergio Bedel), fotografía de Guillermo Granillo, A.S.C, B.S.C,  música de Joan Valent & Zacarías M. de la Riva, montaje de Mari Roca, casting de Consol Tura, diseño de producción de Josep Amorós, dirección artística de Isaac Pierre Racine, diseño y montaje de sonido de Fabiola Ordoyo, vestuario de Jorge Perez
  • FICHA ARTÍSTICA
  • Intérpretes: Juan Diego Botto, Bárbara Lennie, Magica Pérez, Marc Rodriguez, Ágata Roca, Nora Navas, Cristina Azofra, Adrian Bermudez, Pedro Muiño, Monti Castiñeiras, Dolors Tuneu, Maria Pau Pigem
  • Genero: Thriller psicológico. Duración: 1 horas y 32 minutos. Presentada en el Festival de Berlín.

ARGUMENTO

Laura y Daniel forman una pareja aparentemente feliz, cuya vida va a verse alterada por la acogida temporal de una niña, Julia, cuyo padre, amigo de la infancia de Daniel, acaba de suicidarse. Antes de tomar la decisión fatal, el suicida  que hacía tiempo que no veía a Daniel, acude a él visiblemente afectado pidiendo ayuda. Los hechos que le atormentaban están también relacionados con Daniel y un suceso traumático de su común infancia; por ello Daniel no muestra el mismo entusiasmo que Laura con la llegada de Julia a casa.
CRÍTICA
Antonio Chavarrías es un productor, guionista y director de cine español. Nació en Hospitalet de Llobregat, (Barcelona) en 1965. Ha dirigido más de 10 películas y producido más de 30, en la mayoría colaboró en el guión. Ha dirigido películas como “Manila” (1991), “Susanna” (1995), “Volverás ” (2002) o “Las vidas de Celia” (2006). En 1990 funda la productora “Oberón Cinematográfica”, con la cual produce sus películas y las de otros como “El árbol de las cerezas” (1998) , ” Pau y su hermano” (2001), las dos de Marc Recha, o “En la mente del asesino (2002), de Agustí Villaronga, recibiendo muchas de ellas premios en prestigiosos festivales. “Dictado” es la única película que he visto de Chavarrías y me ha parecido muy interesante. Su dirección es muy buena,  consiguiendo crear un ambiente cada vez más inquietante, debido al cuidado montaje, la sobria fotografía y música. Los actores están muy bien en sus papeles y aportan gran verosimilitud al film. El ritmo es muy dinámico, no decayendo nunca, y todo esto da como resultado una película muy interesante y otro ejemplo del buen cine español que lleva unos años haciéndose. Una propuesta muy recomendada.
de

“Amor y Letras” (2012) escrita y dirigida por Josh Radnor. (USA)

  • FICHA TÉCNICA
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  • Producida por Jesse Hara & Josh Radnor & Brice Dal Farra & Lauren Munsch, producción ejecutiva de Paul Kropok & Peter Graham, Stephen Hays, , co-producción de Bryan Thomas,producción de IFC Films & BCDF Pictures & Tom Sawyer Entertainment,  fotografía de Seamus Tearney, música de Ben Toth, montaje de Michael R. Miller, casting de Suzanne Crowley & Deborah Maxwell Lion & Jessica Kelly,  diseñó de producción de Jade Healy, dirección artística de Scott Kuzio, vestuario de Deborah Newhall
  • Intérpretes: Josh Radnor, Elizabeth Olsen, Richard Jenkins, Allison Janney, Elisabeth Reaser, John Magaro, Kate Burton, Robert Desiderio, Zac Efron, Kristen Bush, Ned Daunis, Gregg Edelman
  • Género: Tragicomedia romántica. Duración: 1 hora 41 minutos. Presentada en el Festival de Sundance 2012
ARGUMENTO
Jesse es un joven de 35 años culto y desastrado, que trabaja como profesor de literatura en la Universidad de Nueva York y no acaba de encontrar su ritmo vital. La oportunidad le llega cuando viaja a Ohio, a la Universidad donde estudió, para asistir al homenaje a uno de sus maestros más queridos, el recién jubilado profesor Hoberg. Allí, Jesse rememora sus ilusionados tiempos universitarios, descubre la triste realidad de su admirada profesora Fairfield y conoce a una joven estudiante de segundo de  literatura, Zibby, inteligente, vitalista y aparentemente muy segura para sus edad. Enseguida la sintonía entre ambos se transforma en enamoramiento, lo que genera en Jessie un peliagudo dilema moral, pues pesan en su conciencia los dieciséis años de diferencia entre él y Zibby, y sobretodo su propia perplejidad ante esa cosa llamada amor.
CRÍTICA
Después de triunfar y hacerse famoso con su papel de Ted Mosby en la serie de T.V “Como conocí a vuestra madre”, el actor de Ohio Josh Radnor debutó en el cine con su primer largometraje como guionista y director,  la excelente“Happythankyouremoreplease” (2010).  Ahora nos trae una espléndida tragicomedia romántica  que ganó el premio del Público en el Festival de Sundance 2012. Ahora se consolida como el nuevo Woody Allen- pero en plan optimista y trascendente- con su segundo trabajo. Su dirección es muy buena así como el excelente guión, que hace que los actores lleven a cabo unas maravillosas interpretaciones, sobre todo Josh Radnor y Elizabeth Olsen. La música del film es preciosa (temas de música clásica y otros) y ayuda mucho al disfrute del film
La historia, de gran humanidad, reflexiona certeramente sobre temas como la literatura, la enseñanza, la madurez, el amor verdadero, etc… En fín, una delicia recomendada a espectadores sensibles.