FICHA TÉCNICA

Producida por Ibon Cormenzana & Jerome Vidal & Pablo Berger, producción ejecutiva (17 personas), producción asociada (5 personas), producción de Arcadia Motion Pictures & Noodles, guión de Pablo Berger (basado en el cuento de los hermanos Grimm),  fotografia de Kilo de la Rica (B/N),  música de Alfonso de Villalonga, montaje de Fernando Franco, vestuario de Paco Delgado, diseño de producción de Alain Bainée, casting de Rosa Estevez

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Macarena García, Maribel Verdú, Daniel Gimenez Cacho, Pere Ponce, Jose Maria Pou, Inma Cuesta, Angela Molina, Ramón Barea, Emilia Gavira, Sergio Donado, Oriol Vila, Carmen Belloch

Género: Drama «retro» Duración: 1 hora 44 minutos. Ganadora de 10 premios Goya. B/N. Muda

ARGUMENTO

España años 20. Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra Encarna. Huyendo de su pasado Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos:

una troupe de enanos toreros.

 CRÍTICA

Pablo Berger es un director de cine español nacido en Bilbao en 1963. Hizó sus estudios de primaria y secundaria, primero en la escuela San Vicente y luego en el colegio Trueba de Artxanda, a las alturas de Bilbao.

En 1988 realizó «Mamá» (1988), su primer cortometraje, con dirección artística de Alex de La Iglesia y  as colaboraciones de Torrebruno y Ramón Barea. Con los premios obtenidos obtuvo una beca de la Diputación Foral de Vizcaya para estudiar master en cine en la «Universidad de Nueva York». Después del doctorado, ejerció como profesor de dirección en la «Academia de cine de Nueva York». A partir de entonces empezó una carrera paralela como publicista y y realizador de videoclips que culmino con el rodaje de su debut como director de cine con la tragicomedia “Torremolinos 73” (2003). Ahora Pablo Berger ha realizado una libre versión de cuento de los hermanos Grimm, trasladando la acción a España en los años 20 y rodando en B/N y muda.

El resultado es una delicia cinematográfica, con una excelente factura y dirección de actores, sobre todo Maribel Verdú, Sofía Oria y Macarena García. Brillantemente, sigue el cuento añadiendo elementos como los toros y el flamenco, que encajan perfectamente. La dirección fotografía , el montaje, la música rinden homenaje a los grandes del cine mudo.

Junto a “The Artist” (2011) demuestra que se puede hacer gran cine mudo y ojalá que con esto los jóvenes revisen a Griffith, Chaplin, Keaton, etc…

FICHA TÉCNICA

Producida por Michelle Murdocca & Adam Sandler & Robert Smigel, produccion ejecutiva de Allen Covert & Adam Sandler & Robert Smigel, producción de Columbia Pictures & Sony Pictures Animation, guión de Dan Hagerman & David Feiss & Kevin Hageman,  música de Mark Mothersbaugh, montaje de Catherine Apple, casting de Mary Hidalgo, diseño de producción de Marcelo Vignali, direccion artística de Ron Lukas & Noelle Triaureau

FICHA ARTÍSTICA

Voces en v.o: Adam Sandler, Andy Shamberg, Selena Gomez, Kevin James, Fran Drescher, Steve Buscemi, Molly Shannon, David Spade, CeeLo  Green, Jon Lovitz, Brian George, Luenell

Género: Comedia fantástica de animación. Duración: 1 hora 32 minutos. Premios: Nominada al Globo de Oro al mejor film de animación

El Conde Drácula construye un hotel para descanso y entretenimiento de monstruos (el hombre lobo, la momia, el hombre invisible) y sus familias, el cual tiene gran éxito . Asimismo  sobreprotege a su querida hija Mavis, que tiene ansias de conocer el mundo exterior. La tranquilidad se esfuma cuando aparece Will, un humano que enamora a Mavis.

CRITICA

Genny Tarkakovsky es un animador y director de cine de animación ruso nacido en 1970. Tras emigrar a USA a los 7 años, se vió influido por los comics de allí. Entró en la «Eugene Fild School» de Chicago en tercer grado. . Tras morir su padre a los 16 años, tuvo que trabajar mientras iba a secundaria. Intento probar clases de publicidad pero al llegar tarde fué a parar a animación  en «La Collumbia Collegue. En 1991 realizó un cortometraje que fué el inicio de una fructífera carrera. . Luego estudio en «El Instituto de artes de California. Tras una exitosa trayectoria en T.V en series tan conocidas como «El laboratorio de Dexter», «Las Supernenas», «Samurai Jack» y Clone Wars» (está ultima coleccionada por mi con avidez como fan de Star Wars) debuta con éxito con esta divertida pelicula de animación. Aunque no tiene la calidad de la Gran Pixar, la cinta está estupendamente animada, tiene un habil guión, un variado y bien perfilado número de personajes y provoca muchas risas con sus gags que parodian las criaturas míticas de terror. Para el fan del fantástico será una gozada reconocer a todas las criaturas y las de animación. Recomiendo verla.

FICHA TÉCNICA

Producida por Bert Friedlob, producción de RKO Pictures INC, argumento y guión de Douglas Morrow, fotografia de William Snyder (B/N), musica de Herschel Burke Gilbert, montaje de Gene Fowler, dirección artística de Carroll Clark, decoracion del set de Darrell Silvera

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Dana Andrews, Joan Fontaine, Sidney Blackmer, Philip Bourneuf, Shepperd Strudwick, Arthur Franz, Ed Binns, Robin Raymond, Barbara Nichols, William F. Leicester, Dan Seymour, Rusty Lane, Joyce Taylor, Carleton Young,

Género: Thriller. Duración:1 hora 18 minutos

ARGUMENTO

El periodista Tom Garrett está dispuesto a llegar lo mas lejos posible para convencer a la opinión publica de que las pruebas para condenar a una persona pueden ser fácilmente manipulables. Con la ayuda de un editor de periódico anti-pena capital se fabrica una series de evidencias que lo convierten en un asesino imaginario. Planee que le arresten, le juzguen y cuando vaya a ser sentenciado revelar la verdad (con pruebas irrefutables). Pero las cosas se complican.

Fritz Lang (1890-1976), cineasta austríaco pero alemán de adopción fue uno de los grandes del cine. Después de su periplo alemán, con obras como “El Doctor Mabuse” (1922), “Los Nibelungos” (1924), “Metrópolis ” (1927) , o “M. el vampiro de Dusseldorf ” (1931), se exilió de Alemania en 1933 al llegar Hitler al poder (los nazis prohibieron “El testamento del Doctor Mabuse”).

Tras rodar “Liliom” (1934) en Francia se instaló en USA donde entre 1936-56 realizó grandes films de temática denunciatoria como “Furia ” (1936), “Solo se vive una vez ” (1937), westerns como “La venganza de Frank James ” (1940), “Espiritu de conquista ” (1941) o “Encubridora” (1952), sus film antinazi “El hombre atrapado ” (1941), “Los verdugos también mueren ” (1943), “El Ministerio del miedo ” (1943) y “Clandestino y caballero ” (1946) o clásicos de cine negro como “La mujer del cuadro ” (1944), “Perversidad ” (1945) “Los sobornados ” (1953), “Deseos humanos” (1954) o “Mientras Nueva York duerme ” (1956). Él siempre se quejó de las intromisiones de los productores que le mutilaron bastantes películas.

 Después volvió a Alemania donde rodó el díptico “El tigre de Esnapur / La tumba india ” (1959) y “Los crimenes del Doctor Mabuse” (1960) , que dieron fin a su carrera. “Mas allá de la duda “ fue su último film en Hollywood y es uno de sus grandes obras. Es una denuncia del sistema judicial y de la pena de muerte (fijarse en los créditos iniciales). Lang vuelve al hablar de su tema favorito la fatalidad, de una inocente marcado por el destino, en este caso un escritor que en connivencia con un director de periódico fabrican pruebas falsas para que el primero sea condenado a muerte por asesinato y al leerse la sentencia, revelar la verdad para conseguir su abolición. El guión está muy bien construido, con una intriga muy bien llevada y tiene un reparto espléndido, sobre todo Dana Andrews y Joan Fontaine. Recomiendo no contar el final. En resumen una joya del cine que por casualidad conoció un remake en 2009 infinitamente peor.

FICHA TÉCNICA

Producida por Joan Carelli, producción ejecutiva de Denis O`Dell & Charles Okun, producción de United Artist, fotografía de Vilmos Zsigmond, música de David Mansfield, montaje de Lisa Frutchman & Gerald Greenberg & William Reynolds & Tom Rolf, casting de Cis Gorman & Tony Garzonear & Jane Hallaren & diseño de producción de Tambi Larser, dirección artística de Spencer Deverell & Matthew Fowler, decoración del set Josie MacAvin,  vestuario de J. Allen Highfill

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Kris Kristofferson, Christopher Walken, Isabelle Huppert, Sam Waterson, John Hurt, Jeff Bridges, Brad Dourif, Joseph Cotten, Ronnie Hawkins, Paul Koslo, Geoffrey Lewis, Richard Masur, Terry O’Quinn, Mickey Rourke

Género: Western crepuscular. Duración: 2 horas 24 minutos. Premios: Nominada al Oscar a mejor dirección artística

ARGUMENTO

En el verano de 1870 , Averill y Irvine terminan su estudios en la Universidad de Harvard. Veinte años después, viven en circunstancias muy distintas. Averill, mas serio y visiblemente mas viejo, se ha convertido en un «Marshall» federal.

Por su parte, Irvine, destruido y arruinado por la bebida, pero todavía en su sano juicio, es miembro de la Asociación «Stock Growers agricultores» que está involucrada en un conflicto.

CRÍTICA

Michael Cimino es un director de cine estadounidense nacido en Nueva York en  1939. De tercera generación de italoamericanos,  se graduó en la escuela secundaria Westbury a los 17 años (era un joven prodigio).  Después estudió en la Universidad Estatal de Michigan , donde se especializó en artes graficas. Se graduó con honores a los tres años y ganó el premio de publicidad Suffrin Harry.  Luego, continuó sus estudios en Yale, donde hizó pintura, historia del arte arquitectura y arte dramático. Tras graduarse en 1963  Cimino se mudó a Nueva York donde se convirtió en un director estrella de comerciales para t.v.  En 1971 se mudó a los Angeles esperando triunfar como guionista, lo que consiguió con su trabajo en «Naves misteriosas» (1972) de Douglas Trumbull y sobretodo «Harry el fuerte» (1973) de Ted Post, donde Clint Eastwood si fijó en el el y compró su guión que se convertiría en un film de ambos y debut de Cimino.

“Un botín de 500.000 dólares”(1974) fué una brillante opera prima, la cual le llevo a su obra maestra “El cazador” (1978),  ganadora de 5 Oscars. Después de ella, Cimino se metió en un western personalisimo con rodaje extremadamente complicado y cuyo desastroso estreno hundió a la productora United Artist. Esto afectó para siempre a la carrera del director, que nunca recuperó la confianza de los estudios, a pesar de rodar joyas como “Manhattan Sur” (1985) y “El siciliano” (1987). Sus último films han sido «37 horas desesperadas» (1990), correcto remake de un film de Humphrey Bogart y «Sunchaser» (1996), la cual no vi. Despues he tenido proyectos frutados y ha escrito varios libros.

La versión de «La puerta del cielo»  de la que hablo es la mutilada por los estudios (la copia de trabajo duraba 325 minutos y la original de cine 219), lo cual se nota porque hay ciertos personajes con poca presencia, historias de las que nos faltan información. Pero a pesar de estas carencia, el film tiene una gran dirección, una espléndida fotografía y música (esta última ciertamente evocadora) y grandes interpretaciones, sobre todo el trío protagonista.

El tono es crepúscular, amargo y denuncia claramente la discriminación a los emigrantes en USA (las cosas por desgracia no han cambiado).

Me pareció una estupenda película y espero con ansiedad en DVD la versión extendida, que hace unos siete años que está en circulacíón y que seguro hace que este film mejore considerablemente.

FICHA TÉCNICA

Producida por Tim Bevan & Paul Webster, producción ejecutiva de Lisa Chasin, co-producción de Alexandra Derbyshire, produccion de Focus Feature & Working Tittle Films & Universal Pictures, guión de Tom Stoppard (basada en la novela de Leon Tolstoi), fotografía de Seamus McGarvey, diseño de producción de Sarah Greenwood, musica de Dario Marianelli, montaje de Melanie Oliver, casting de Dixie Chassay & Jina Jay, diseño de producción de Sarah Greenwood,  dirección artística de Thomas Brown & Nick Gottschalk & Tom Still, decoración del set de Katie Spencer, vestuario de Jacqueline Durran

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Keira Knightley, Jude Law, Aaron Taylor Johnson, Kelly Macdonald, Matthew Macfadyen, Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, Olivia Williams, Emily Watson, Ruth Wilson, Pip Torrens, David Wilmot, Michelle Dockery, Holliday Grainger, Shirley Henderson

Género: Drama decimonónico. Duración: 2 horas 9 minutos. Premios: Oscar al mejor vestuario

 ARGUMENTO

Rusia Imperial 1874. Cuenta la aventura adúltera de Anna Karenina con el apuesto Alexei Conde Vronsky, oficial de caballería. Su matrimonio con Alexei Karenin, un importante funcionario gubernamental, (con quien tiene un hijo), se ha vuelvo anodino y los fuertes estándares morales que exigía a su infiel hermano Stiva son puestos a prueba en su propia piel. Su pasional romance escandalizará a la rígida alta sociedad rusa.

Joe Wright (Londres 1972), estudió cine en la London’s Martin Art School. Tras dirigir un par de cortos a fines de los 90, debuta brillantemente en el cine con “Orgullo y prejuicio” (2005), preciosa adaptación de Jane Austen. Luego realiza “Expiación” (2007), sólido melodrama “retro”. Posteriormente,  cambia del género con el interesante drama “El solista” (2008) y el atípico thriller “Hanna” (2011).

Joe Wright vuelve ahora al cine de época con “Anna Karenina”, enésima adaptación de la obra del ruso Tolstoi (1828-1910), con versiones tan interesantes como las de Greta Garbo (mi favorita) en 1935 o Vivian Leigh en 1948. Ahora Wright realiza la versión con puesta en escena más atípica donde mueve a los personajes de escenarios y bambalinas a localizaciones naturalistas. Esto me recuerda a la frase de Antonio en la obra “El mercader de Venecia “ de Shakespeare: “El mundo es un escenario donde todos tenemos un papel”. Esta puesta en escena es arriesgada, pero funciona , y nos mete muy bien en la historia. El guión de Tom Stoppard es muy bueno (muy fiel a la novela), y define muy bien personajes y situaciones, los actores están excelentes, sobre todo Knightley y Law (esto ultimo debió ser nominado al Oscar), la fotografía es preciosa y muy colorista, la música es una maravilla y el diseño de producción y vestuario son de primera categoría

Todo este apabullante despliegue técnico no oscurece el ama de la historia. La historia no es complaciente con Anna y alrededores, reflexionando con profundidad sobre el amor, la pasión, el matrimonio, la fidelidad, la comprensión , los remordimientos y Dios. En resumen, una gran película altamente recomendable.

FICHA TÉCNICA

Producida por Albert S. Broccoli & Harry Saltzman & Stanley Sopel, producción asociada de Stanley Sopel, producción de Eon Productions, guion de Richard Baubaum & Simon Raver (de la novela de Ian Fleming), fotografía de Michael Reed, música de John Barry, montaje de John Glen, diseño de producción de Syd Cam, dirección artística de Robert W. Laing, decoración del set de Peter Lamont, vestuario de Marjorie Cornelius

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: George Lazenby, Diana Rigg, Telly Savalas, Gabriele Ferzetti, Ilse Steppat, Bernard Lee, Lois Maxwell, Desmond Llewelyn, George Baker, Bernard Hursfall, Yuri Borionko, Virginia North, Geoffrey Chesire, Irvin Allen, Terence Mountain, James Bree, John Gay

Género: Thriller de espias. Duración: 2 horas 5 minutos

ARGUMENTO

Ernst Stavro Blofeld, amenaza de nuevo la estabilidad mundial, por lo que los superiores de 007 encargan al agente que anule sus proyectos. Bond salva de una tentativa de suicidio a la hermosa y encantadora Tracy Draco, cuyo padre, un gangster mundialmente conocido como Marc Ange. Draco promete ayudarle a encontrar a Blofeld (con la condición que se enamore y case con Tracy, de carácter rebelde). Gracias a Draco se infiltrara en el refugio secreto del cabecilla de la organización criminal SPECTRA, para así frustrar sus malvados planes.

CRÍTICA

Peter R. Hunt (1925-2002) fué un montador, director de cine y productor de t.v. Tenia un tio en la industria del cine que le consiguió trabajo en varias peliculas, siendo asistente de dirección del legendario productor Alexander Korda.

A los 17 años se alista en el ejército, con el objetivo de trabajar en la unidad de cine militar , pero acabó luchando en Salerno y Montecassino (1943-44). Dejó el ejército con el grado de Sargento en 1947 , estudiando arte en la Universidad de Roma y luego volviendo a Inglaterra, donde trabaja como «chico de los recados» en los Estudios Denham. Fué ascendiendo puestos y se convirtió en un habil y prestigioso montador (también fué director de la 1º unidad en los rodajes).

Como montador sus mejores trabajos fueron los cinco primeros Bonds e «Ipcress» (1965). Acabó siendo elegido como director de «007 al servicio de su Majestad» (1969).

Tras cinco Bonds (1962,63,64, 65,67), Connery se negó a seguir interpretando a 007 (quería probar otros registros), así que los productores Broccoli & Saltzman buscaron concienzudamente a otros candidatos. Al final el elegido fue un modelo australiano y vendedor de coches de cierta fama, George Lazenby, considerado el Bond mas flojo de la saga, en comparación con Roger Moore (1973,74,77, 79, 81, 83,85), Pierce Brosnan (1995, 97,99, 2002) y Daniel Craig (2006,08, 2012). Lo cierto es que esta cinta de Bond es un tanto atípica, ya que Bond aquí es más humano y casi no utiliza los gadges de Q, y además se enamora.

Lazenby no consiguió superar a Connery y está simplemente correcto, pero los demás están espléndidos, sobre todo Diana Rigg y Telly Savalas. La dirección de Peter Hunt es bastante buena, el guión (muy fiel a la novela) se enriquece con el retrato de la historia de amor, las escenas de acción están brillantemente ejecutadas, la música de John Barry es excelente (con un espléndido tema romántico cantado por Louis Amstrong). Es una película impactante de las que no hay que contar el final. Finalmente como curiosidad en un diálogo y en un par de escenas se rinde homenaje al Bond de Connery.

 FICHA TÉCNICA

Producida por Giusseppe Amato, guión de Julian Duvivier & Rene Barjável (de la novela de Giovanni Guareschi),  fotografía de Nicholas Hayer (B/N), musica de Alessandro Cicognini, montaje de Maria Rosada, dirección artística de Virgilio Marcho, decoración del set de Fernando Ruffo

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Fernandel, Gino Cervi, Vera Talchi, Franco Interlenghi, Sylvie, Charles Vissíere, Clara Auteri Pepe, Italo Clerici, Peppino De Martino, Carlo Duse, Manuel Gary, Leda Gloria, Luciano Manara, Armando Migliari, Giovanni  Onorato

Género: Comedia costumbrista. Duración: 1 hora 40 minutos

 ARGUMENTO

1948. Brescello es un pequeño pueblo del valle del río Po donde la vida es dura y la economía precaria. Alli vive Don Camilo, el temperamental párroco del lugar, y Peppone (recién elegido), visceral alcalde comunista. Aunque los dos hombres se admiran en secreto, sus ideas políticas y sus luchas ideológicas despiertan el máximo interés entre los habitantes del pueblo.

Julien Duvivier (1896-1967) fué un director de cine francés. Su carrera comenzó como actor en 1916 en el teatro del Odeón , bajó la dirección de André Antoine. Dos años después se trasladó a Gaumont como escritor y asistente de varios autores, debutando como director de cine en 1919. En la década de los 20 sus films tenían una preocupación religiosa y en los 30 formó parte de la productora «Film d’Art» junto a Marcel Vandal y Charles Delac.

Con el principio de la 2º Guerra Mundial y la ocupación alemana, Duvivier se muda a A America, donde rueda títulos como «Lydia» (1941), «Seis destinos» (1942). «Al margen de la vida» (1943) o «El falsario» (1944).

Tras el fin de la guerra y rodar «Anna Karenina» (1948), regresa a Francia donde trabaja hasta su  muerte. De el solo he visto «Seis destinos», «Anna Karenina» y los primeros «Don Camilo»eme parece muy buen director.

Giovanni Guareschi (1908-68) fue un famoso periodista y escritor humorístico italiano. Periodista desde 1929, criticó la dictadura fascista, aunque se salvó al ser reclutado por el ejército durante la 2º Guerra Mundial y fue hecho prisionero de los alemanes al ocupar Italia en septiembre de 1943. Estuvo dos años preso en Polonia y Alemania y al regresar volvió al periodismo satírico, desarrollando una fuerte crítica anticomunista (debido a sus creencias cristianas), aunque también crítico a la Democracia Cristiana, llegando a estar un año en prisión por difamación. Sus novelas mas famosas son la saga de Don Camilo.

 La película destaca por su amable costumbrista, diálogos ingeniosos (entre Don Camilo y el Cristo de su iglesia), situaciones hilarantes (las puyas entre Don Camilo y Peppone) y las relaciones entre los dos bandos del pueblo (contadas a veces en entrañable voz en off).

Las interpretaciones son magníficas, sobre todo Fernandel y Gino Cervi (¡menudo duelo de titanes!), la dirección de Duvivier aprovecha muy bien los escenarios del pueblo, la fotografía y la música son preciosas y está llena de situación inolvidables. El enorme éxito daría lugar a cuatro películas más con los mismos protagonistas “El retorno de Don Camilo” (1953), de Duvidier otra vez, “Don Camillo y el honorable Peppone” (1955) y “Don Camilo Monseñor” (1961)” de Carmine Gallone y “El camarada Don Camilo” (1965) de Luigi Comencini. En fín, una saga maravillosa, divertida y llena de humanidad. Recomendable a los fans del cine italiano y en general.

FICHA TÉCNICA

Producida por Joel Silver & Leonard Goldberg & Andrew Rona, producción ejecutiva de Susan Downey & Peter McAlesee & Sarah Meyer & Steve Richards, producción asociada de Aaron Auch & Ethan Erwin, co-producción de Oliver Courson & Christoph Fisser & Ron Halpern & Henning Molfenter & Charlie Woebcken, producción de Dark Castle Entertainment & Panda Productions Inc & Canal + & Horticus, Ok & Studios Babelsberg, guión de Oliver Butcher & Stephen Cornwell (basada en la novela de Didier Van Cauwelaert), fotografía de Flavia Labiano, musica de John Ottman & Alexander Rudd, montaje de Timothy Alverson, casting de Lucinda Syson, diseño de producción de Richard Bridgland, dirección artística de Stephen Dobric & Anja Mullen & Cornelia Ott, decoracíón del set de Bernhard Heinrich, vestuario de Ruth Myers

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Liam Neeson, Diane Kruger, January Jones, Aidan Quinn, Frank Langella, Bruno Ganz, Sebastian Koch, Oliver Schneider, Stipe Erceg, Rainer Bock, Mido Hamada, Clint Dyer, Karl Markovicks, Eva Lóbau

Género: Thriller. Duración: 1 hora 48 minutos

 ARGUMENTO

El Doctor Martin Harris llega a Berlín con su esposa Liz para un importante congreso científico. Antes de inscribirse en el hotel, vuelve al aeropuerto en taxi, porque olvidó una maleta, pero en el trayecto tiene un grave accidente por el que está 3 días en coma. Al despertar e ir a buscar a su esposa, descubre que ella no le reconoce y un extraño ocupa su lugar. Las autoridades no le creen, unos asesinos le persiguen y a Martin, solo, cansado y con recuerdos fragmentados, solo le ayudará una taxista bosnio (inmigrante ilegal) y un veterano investigador ex-agente de la STASI.

Jaume Collet Serra (1974), es un cineasta catalán afincado en Hollywood desde 1992. Allí estudió cine en Los Angeles. Luego se hizo montador e hizo importantes videoclips y anuncios con famosos como Enrique Iglesias y Brad Pitt. En 2004 debutó en el cine con la terrorífica “La casa de cera” (2004), remake juvenil del clásico de André de Toth de 1953. Luego realizo “¡Gool!! 2. Viviendo el sueño” (2005) , segunda parte de la trilogía deportiva y “La huérfana” (2009), de nuevo de terror. “Sin Identidad” (2011) es su cuarta película. Collett Serra realiza una sólida puesta en escena, que aprovecha muy bien los escenarios berlineses, mantiene la intriga todo el rato y obtiene de los actores unas estupendas interpretaciones.

Todo tiene cierto aire hitchcockiano, con realista fotografía e inquietante música de John Ottman. Neeson vuelve a demostrar que el thriller y la acción le viene muy bien, como demostró con “Venganza 1 & 2” (2008, 2012) y “El equipo A” (2010). En fin, una cinta recomendable para los amantes del thriller (con punto paranoico y conspiratorio).

FICHA TÉCNICA

Producida por Saul Saentz & Michael Douglas, producción asociada de Martin Fink, produccion de United Artist & guión de Lawrence Hauben & Bo Goldman (basada en la novela de Ken Kesey), fotografia de Haxler Wexler, musica de Jack Nitschze, montaje de Sheldon Kahn & Lynzee Klingman, casting de Jane Feinberg & Mike Fenton, diseño de producción de Paul Sylbert, dirección artística de Edwin O’Donovan, vestuario de Aggie Gerard Rodgers

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, William Duell, Will Sampson, Danny De Vito, Christopher Lloyd, Brad Dourif, Vincent Schiavelli, Scatman Crothers, Michael Berryman, Peter Brocco, Dean R. Brooks, Alonzo Brown

Género: Drama. Duración: 2 horas 8 minutos. 5 Oscars (pelicula, director, actor, actriz, guión adaptado). 5 Globos de Oro (pelicula, director, actor, actriz, guion adaptado), 6 BAFTA

En 1963 Randle P. McMurphy ingresa el hospital psiquiátrico del estado fingiendo locura. Su carácter cínico, amoral e irrespetuoso revolucionará la monótona vida de los internos y chocará con los doctores y celadores del hospital, sobre todo con la fría y controladora enfermera jefe Midred Ratchet.

Milos Forman (1932-) es uno de los grandes realizadores checos de su generación nueva ola checa). De origen judío e infancia difícil (sus padres murieron en un campo de concentración), estudió en la famosa Escuela de Cine (Famu) de Praga, trabajando primero para la T.V. Forman, tan original como sus coetáneos, destacó en los años 60 con el documental “Konkeurs” y los largometrajes “Pedro el negro” (1963) y “Los amores de una rubia” (1965). Pero su fábula política “¡Fuego bomberos!” (1967), sátira anticomunista, Le enemistó con su gobierno y se exilió años después. Tras la “Primavera de Praga” de 1968, emigró a USA, donde todavía vive. Debutó en USA con la amarga “Juventud sin esperanza” (1971), destacando después con “Alguien voló con el nido del cuco” (1975), el musical “Hair” (1979), “Amadeus” (1984) , “Valmont” (1989), “Man in the Moon” (1999), entre otras.

 “Alguien voló sobre nido del cuco” la considero junto a “Amadeus”, su obra maestra (aunque no he visto todas las suyas).

Basada en la novela contracultural de Ken Kensey, fue publicada en 1961 y un años después Kirk Douglas la protagonizó en teatro, aunque con escaso éxito. Desde entonces se intentó llevar al cine en varias ocasiones y en 1975 se consiguió.

 Primero, destaco la excelente realización de Forman, el magnífico guión  (que describe con gran vigor situaciones y personajes), las excelentes interpretaciones, sobre todo de Nicholson y Fletcher, la realista fotografía y la curiosa pero emotiva música. El film está lleno de grandes momentos, de ternura, de gran dureza, de humor. En fín cine de cinco estrellas. Recomendación absoluta.

FICHA TÉCNICA

Producida por Lucy Fisher & Douglas Wick & Steven Spielberg, producción ejecutiva de Gary Barber & Roger Birnbaum & Bobby Cohen & Patrica Whitcher, co-producción de John de Luca, producción de Columbia Pictures & Dreamworks SKG & SpyGlass Entertainment, guión de Robin Swicord (basada en la novela de Arthur Golden), fotografia de Dion Beebe, ACS, ASC, musica de John Williams, montaje de Pietro Scalia, casting de Francine Maisler, diseño de producción de John Myre, dirección artística de Patrick M. Sullivan Jr, decoración del set de Gretchen Rau, vestuario de Colleen Atwood

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Ziyi Zhang, Ken Watanabe, Michelle Yeoh, Gong Li, Koji Kayusho, Yuoki Kudoh, Samantha Futerman, Mako, Elisabeth Sung, Kotoko Kamamura, Tsai Chin, Cary Hinoyuki-Sanada, Randall Duk Kim,  Kenneth Tsang, , Eugenia Yuan, Kari Yune, Ted Levine, Paul Adelstein, Tsai Chin, Shizuko Hoshi (voz), Suzuka Ohgo, Zoe Weizenbaum

Género:Drama. Duración: 2 horas y 19 minutos. Premios: 1 Globo de Oro (B.S.O) y 3 Oscars (fotografía, vestuario, dirección artística)

Una veterana geisha cuenta su infancia y juventud en Japón durante 1929-49. Vendida por sus míseros padres a una casa de geishas, donde pasará por muchas humillaciones,y servilismos, luchará para convertirse en geisha para poder acercarse a su secreto amor.

Rob Marshall era un famoso coreógrafo, que debutó con brillantez en el cine con el musical  “Chicago” (2002). Después ha realizado  “Nine” (2009), música basado en la película “Fellini8%” (1963) y “Piratas del Caribe. En aguas misteriosas” (2011), cuarta entrega de la exitosa saga. “Memorias de una geisha” es su segunda película. Se trata de una adaptación de la celebrada novela de Arthur Golden, intentada llevar a la pantalla antes por Steven Spielberg.

 Marshall realiza una puesta en escena clásica, con un férreo guión que describe muy bien los dramas de los personajes, muy bien encarnados por el excelente reparto. Tambien ayudan una excelente ambientación, una preciosa fotografía y una cautivadora partitura del maestro Williams. En fín, un film muy interesante, les gustará a los adictos a lo japonés y a los amantes del buen cine