“Ruby Sparks” (2012) dirigida por Jonathan Dayton & Valerie Thomas (USA)

Ruby Sparks

FICHA TÉCNICA

Producida por Albert Berger & Ron Yerxa, producción ejecutiva de Paul Dano & Robert Graf & Zoe Kazán, producción asociada de T. K. Knowles & John O’Grady & Chuck Ryant, producción de Fox Searchlight & Bona Fide, guión de Zoe Kazan, fotografía de Matthew Libatique, musica de Nick Urata, montaje de Pamela Martin A.C.E, casting de Justine Arteta & Kim David- Wagner, diseño de producción de Judy Becker, dirección artística de Alexander Wei, decoración del set de Matthew Flood Ferguson, vestuario de Nancy Steiner

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Paul Dano, Zoe Kazan, Chris Messina, Annette Bening, Antonio Banderas, Aasif Mandvi, Steve Coogan, Toni Trucks, Deborah Ann Wolf, Elliott Gould, Alia Shawkat

Género: Comedia romántica «indie». Duración: 1 hora 44 minutos. Nominada a 1 Premio «Independent Spirit» (mejor guión)

 ARGUMENTO

 Mientras lucha por superar su bloqueo de escritor y su aburrida vida sentimental, Calvin, un joven veinteañero que en su adolescencia fué un escritor de éxito, crea un bello personaje ficticio llamado Ruby, que le sirve de inspiración. Pero no solamente hace que su profesión vuelva a la vida, sino que Ruby llega a su vida ¡literalmente!. Enfrentándose a una relación de verdad con la que fuera su novia imaginaria, Calvin tiene que decidir si escribir el futuro de esa relación o dejar que se escriba por si misma.

CRÍTICA

Tras debutar con gran brillantez con la tragicomedia “Pequeña Miss Sunshine” (2006), el matrimonio Dayton-Thomas, repiten tras las cámaras, en una historia sobre el amor y que reflexiona sobre como construir una relación y mantenerla. La dirección es muy fluida y envuelve muy bien el excelente guión de Zoe Kazan (la protagonista), mezclando con acierto comedia, romance y drama.

La pareja protagonista tiene mucha química y están muy bien arropados por los secundarios. La fotografía, la música, el montaje ayudan al estupendo resultado final.
 Una película deliciosa, recomendada a los amantes del buen cine romántico menos comercial.

“El ladrón de palabras” (2012) de Brian Klugman & Lee Sternthal (USA)

El ladrón de palabras
FICHA TÉCNICA
Producida por Jim Young & Tatiana Kelly & Michael Benaroya, producción ejecutiva de Bradley Cooper & Cassian Elwes & Laura Rister & Lisa Wilson, co-producción de James Lejsek & Ben Sachs, producción de CBS Films & Also know as picture & Benaroya Pictures &Animus Films, guión de Brian Klugman & Lee Sternhal, fotografía de Antonio Calvache, musica de Marcelo Zavros, montaje de Leslie Jones, casting de Eyde Belasco, diseño de producción de Michele Laliberte, decoración del set de Fréderique Bolté, vestuario de Simonetta Mariano
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Bradley Cooper, Jeremy Irons, Dennis Quaid, Olivia Wilde, Zoe Saldaña, Ben Barnes, Nora Arnezeder, Zeljko Ivanek, J. K. Simmons, Ron Rifkin, John Hannah, Michael McKean, Ron Rifkin, Brian Klugman, Liz Stauber, James Babson
Género: Drama. Duración: 1 hora 38 minutos
ARGUMENTO
Un autor de éxito lee su nueva novela ante una multitud de entregados fans. En ella nos narra la historia de un escritor fracasado que tiene la fortuna de encontrar un manuscrito, lo publica como suyo y obtiene un éxito espectacular que lo encumbra como uno de los mejores escritores de su tiempo. Pronto descubriremos que el autor de ese manuscrito, es un anciano que lo escribió durante su juventud, cuando estuvo destinado en París tras la 2º Guerra Mundial. Allí encontró al amor de su vida…
CRÍTICA
Brian Klugman y Lee Sternhall debutan como directores en el cine, después de trabajar como actores y guionistas. Es una historia que han tardado 11 años en llevar a la pantalla y el resultado es una interesante película. La dirección es ágil y apoya al inteligente guión (hilvana con fluidez las tres historias), la preciosa fotografía y música y las estupendas interpretaciones de todo el reparto (con mención especial a Jeremy Irons).
Reflexiona con acierto sobre varios temas interesantes como el talento, la mentira, la creación artística o las consecuencias de nuestros actos. En suma, una interesante propuesta para gente con buen gusto.

“Tipos Legales” (2012) de Fisher Stevens (USA)

Tipos legales
FICHA TÉCNICA
Producida por Gray Lucchesi & Tom Rosenberg & Jim Tauber, produccion ejecutiva de Mark Berenson & Ted Gidlow & Bingham Ray & Eric Reid & Bruce Toll, producción de Lionsgate & Lakeshore Entertainment & Sidney Kimmel Entertainment, guión de Noah Haidle, fotografía de Michael Grady, diseño de producción de Maher Ahmad, musica de Lyle Workman, montaje de Mark Livolsi, casting de Deborah Aquila & Tricia Wood, direccion artística de Thomas T. Taylor, decoración del set de Kathy Lucas, vestuario de Lindsay McKay
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Al Pacino, Christopher Walken, Alan Arkin, Julianna Margulies, Mark Margolis, Lucy Punch, Addison Timlin, Vanessa Ferlito, Katheryn Winnick, Bill Burr, Craig Sheffer, Yorgo Constantine, Weronica Rosati, Keone Yung, Courtney Platt,
Género: Comedia criminal. Duración: 1 hora 35 minutos
ARGUMENTO
Val ha pasado 28 años en prisión por negarse a chivarse de sus asociados criminales. Su mejor amigo, Doc, va a recogerlo y le lleva a disfrutar de su libertad, yendo a casas de citas o a bailar, pero Doc tiene el encargo del mafioso Claphands de matar a Val antes del amanecer. Pero antes sacarán del asilo a su viejo amigo Hirsch y se meterán en problemas.
CRÍTICA
Fisher Steven (1963) es un actor, productor, director de cine, TV y teatro nacido en Illinois. Estudió interpretación en Nueva York, donde inició una amplísima carrera en Broadway antes de saltar al cine con el film de terror “La quema” (1981) y entre sus films como actor destacan “Cortocircuito” (1986), “Cortocircuito 2” (1988), “El misterio Von Bullow” (1990) “Sólo tú” (1994), “Cold Fever” (1995) y en varias series de TV como “Medium”, “El Mentalista” o “Numbers”.
Debutó en la dirección primero en TV y en cine en 2002 con “Beso en Manhattan” y cinco años después el documental “Crazy love” (2007).
Stevens ha realizado una película muy interesante, un film criminal de tono  nostálgico y crepuscular, con una eficaz dirección, un buen guión y una realista fotografía  y, sobre todo, unas excelentes interpretaciones, sobre todo el trio protagonista. Sin ellos la película perdería mucho. El film tiene algunos momentos muy buenos, como las conversaciones Pacino-Walken, el baile en la discoteca o la persecución automovilística. Son criminales viajes, cuyo arrugado rostro nos dice muchas cosas, pero con ganar de seguir luchando. En resumen, un film recomendable para los aficionados al género criminal y a sus protagonistas.

“La vida de Pi” (2012) dirigida por Ang Lee (USA)

La vida de Pi
FICHA TÉCNICA
Producida por Gil Netter & Ang Lee & David Womarck, producción ejecutiva de Dean Georgaris,producción asociada de Kevin Richard Buxbaum & William M. Connor & Michael J. Malone, co-producción de David Lee,  guión de David McGee (basado en la novela de Yann Martel), fotografía de Claudio Miranda, ASC, musica de Michael Danna, montaje de Tim Squyes, A.C.E, casting de Avy Kauffman, diseño de producción de David Gropman, dirección artística de Al Hobbs, vestuario de Arjun Bhasin, efectos visuales de varias compañias
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Suraj Sharma, Irrfan Khan, Tabu, Rafe Spall, Ayush Tandon, Adil Hussain, Gautam Belur, Gerard Depardieu
Género: Drama. Duración: 2 horas 1 minuto. Premios: Globo de Oro Banda Sonora original y 4 Oscars (director, fotografía, B.S.O y efectos visuales)
ARGUMENTO
Un escritor necesitado concierta por recomendación de un amigo una entrevista en Canadá con Piscine Militor Patel, conocido abreviadamente como Pi. De origen indio, Pi es supuestamente dueño de una historia increÍble sobre su vida, tan asombrosa que cualquiera que la escuche acaba creyendo en Dios. Intrigado, el escritor escucha el relato sobre la vida de Pi, cuya familia tenía un zoo en Pondincherry (India) en los años 70. Su padre se ve obligado a desprenderse del negocio y viaja con los suyos a Canadá, donde piensa vender los animales. Fatalmente, el barco japonés donde viajan naufraga y Pi es el único superviviente, el cual sobrevive con una barca, acompañado de un feroz tigre llamado “Richard Parker”.
CRÍTICA
Ang Lee, nacido en Taiwan en 1954, es uno de los más interesantes realizadores actuales. Se graduó en el Colegio Nacional de Arte (donde le interesó el teatro y el arte) a los 21 años. Después, a pesar de intentarlo, no puede hacer teatro pero descubrió su vocación cinematográfica. En 1979, tras hacer el servicio militar, viaja a USA para aprender cine. Primero estudia dirección teatral en Illinois y luego dirección en la Universidad de Nueva York. Allí hizo una película universitaria en 1983 ayudado por el futuro director Spike Lee. Hizo varios cortos y durante varios años tuvo trabajos inestables
 Debutó como director en su país con “Pushing Hands” (1992), comedia dramática que le dió a conocer y se consolidó como director de las prestigiosas y premiadas “Banquete de boda” (1993) y “Comer, beber y amar” (1994). Esto le abrió las puertas de Hollywood donde realizó diferentes películas: el drama decimonónico “Sentido y sensibilidad” (1995), la crítica de los 70 “La tormenta de hielo” (1999) o el western bélico “Cabalga con el diablo” (1999). Estas películas muestras su gran talento, que se vió consolidado con la co-producción con China “Tigre & Dragón” (2000), intensa historia de amor y artes marciales de época. Luego realizó “Hulk” (2003), personal e infravalorada visíón del cómic, y “Brockeback Mountain” (2005) su primer Oscar como director. Luego rodó dos películas más que no han tenido mucho éxito.
 Pero se ha recuperado con “La vida de Pi”, vigorosa, sensible y muy humana adaptación de la famosa novela de Yann Martel. La dirección es muy buena, el guión está muy bien estructurado y describe muy bien a los personajes, magníficamente interpretados casi todos por desconocidos, la fotografía es preciosa (la escena de la tormenta, los atardeceres), la música es muy emotiva y los efectos especiales digitales están muy bien hechos (impresionante el tigre Richard Parker). La cinta es muy interesante ya que al repasar su vida, Pi habla de los grandes temas (familia, religion, esperanza, muerte) de forma muy sincera y nada cínica. La recomiendo por ser una de las mejores películas de su autor y del año, recomendada al público con sensibilidad.

“Ultimo tren a Katanga” (1968) dirigida por Jack Cardiff (GRAN BRETAÑA-USA)

El último tren a Katanga
FICHA TÉCNICA
Producida por George Englund, producción de Metro-Goldwyn Mayer (MGM), guión de Quentin Verty & Adrian Spies (basado en la novela de Wilbur A. Smith), fotografía de Edward Scaife, musica de Jacques Loussier, montaje de Ernest Walter,  casting de Irene Howard, dirección artística de Elliot Scott
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Rod Taylor, Yvette Mimieux, Jim Brown, Peter Carsten, Kenneth More, André Morell, Olivier Despax, Guy Deghy, Bloke Modisane, Calvin Lockhart, Alan Gifford, David Bauer, Murray Kash, John Serret, Danny Daniels
Género: Aventuras. Duración: 1 hora 36 minutos
ARGUMENTO
Guerra Civil del Congo (1960-63). Un grupo de mercenarios de élite al servicio del gobierno congoleño, reciben la orden de viajar en un tren a vapor que cruza el Congo, intentando rescatar  a un grupo de civiles amenazados por fuerzas rebeldes (llamados “Los simbas”) y a la vez  recuperar un alijo de diamantes.
CRÍTICA
Jack Cardiff (1914-2009) fue un prestigioso director de fotografía y director de cine. De niño fue actor en varias películas mudas y a los 15 años se hizo asistente de cámara y mensajero de producción para “International Pictures”. En 1935 debutó como operador y director de fotografía (hizo en 1937 la primera película británica en technicolor). Durante la 2º Guerra Mundial trabajó en films sobre información pública y documentales sobre la India. Debutó en el cine como director de fotografía con “Una cuestión de vida y muerte” (1946) de Michael Powell & Emeric Pressburger. Entre sus mejores trabajos como fotógrafo destacan “Narciso negro”(1947) y “Las zapatillas rojas (1948) de Emeric & Pressburger “La Reina de África” (1951) de John Huston, “Pandora y el holandés errante” (1951) de Albert Lewin, “La condesa descalza” (1954) de Joseph L. Mankiewickz, «Guerra y paz” (1956) de King Vidor, “El Principe y la corista” (1957) de Laurence Olivier “Los vikingos” (1958) de Richard Fleischer o “Muerte en el Nilo” (1978). Se retiró con “Rambo” (1985) de George Pan Cosmatos.
Debutó como director de cine en 1950, realizando 14 películas entre este año y 1974, algunas tan estimables como “Hijos y amantes” (1960), “Mi dulce geisha” (1962), “”Los invasores” (1963) , “El soñador rebelde” (1965) o “El último tren a Katanga” (1968).
 “El último tren a Katanga” es un film del que había oído mucho hablar y que tenía muchas ganas de ver. No me ha decepcionado en absoluto. La dirección de Cardiff es muy buena, aprovechando muy bien los escenarios, con un guion inteligente, una realista fotografía e impactante música. Los actores están muy bien, sobretodo Rod Taylor y Jim Brown. En este film los personajes son sádicos, endurecidos, idealistas, violentos con una atmósfera oscura de violencia y corrupción. Las escenas de los rebeldes son muy duras y recordarán a los que recuerden la historia del Congo.
En resumen una película estupenda, dura interior y exteriormente y recomendada a los seguidores del cine de aventuras mas duro.

“Los pasajeros del tiempo” (1979) dirigida por Nicholas Meyer (USA)

Los pasajeros del tiempo
FICHA TÉCNICA
Producida por Herb Jaffe, producción asociada de Steven-Charles Jaffe, producción de Warner Bros & Orion Pictures, guión de Nicholas Meyer & Karl Alexander & Steve Hayes (de la novela de Karl Alexander), fotografia de Paul Lohmann, musica de Miklos Rozsa, montaje de Don Cambern, casting de Dianne Crittenden, diseño de produccion de Edward G. Carfagno, decoración del set de Barbara Krieger
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Malcolm McDowell, David Warner, Mary Steenburgen, Charles Cioffi, Kent Williams, Andonia Katsaros, James Garrett, Patti D’Abvanville, Leo Lewis, Keith McConnell, Byron Webster, Laurie Mann
Género: Fantástica. Duración: 1 hora 47 minutos
ARGUMENTO
Londres, 1893. Tras cinco años de inactividad, Jack el Destripador vuelve a las andadas. Huyendo de la policia, el asesino entra en el laboratorio del joven H. G. Wells y huye en su reciente invento: una máquina del tiempo. Después de recuperar su ingenio, Wells descubre que el Destripador escapó al futuro (concretamente a 1979). Ahora deberá ir tras él.
CRÍTICA
Nicholas Meyer (1945-) es novelista, guionista, productor y director de cine. Se graduó en la Universidad de Iowa en teatro y cine. Después se estrenó como escritor, donde destaca su singular trilogía sobre Sherlock Holmes: “Elemental Doctor Freud” (1974), “Horror en Londres” (1976) y “El ángel de la música” (1993). Debutó en el cine como guionista con “Elemental Doctor Freud” (basada en su propia novela) (1976), dirigida por  Herbert Ross, original encuentro entre un Sherlock Holmes drogadicto y Sigmund Freud, el padre del psicoanálisis. Esta fue la primera y única vez que Meyer ha sido nominado a los Oscars. Entre sus demás guiones destacan “Star Trek IV. Misión salvar la tierra” (1986) de Leonard Nimoy  “Sombrerero” (1993) de Jon Amiel, “La mancha humana” (2003) de Robert Benton o “Elegy”(2008) de Isabel Coixet. Debutó como director de cine con “Los pasajeros del tiempo” y entre su filmografía destaca “Star Trek II. La ira de Khan” (1982), “El día después” (1983), crudo acercamiento a las consecuencias de la 3º Guerra Mundial,  además de “Star Trek VI. Aquel país desconocido” (1991).
 “Los pasajeros del tiempo” en una pequeña joya que al fin ha llegado al DVD  (hacía años que la esperaba). La película primero destaca por su original premisa, al enfrentar al autor de “La maquina del tiempo” “La guerra de los mundos”, “El hombre invisible”, “La isla del Doctor Moreau” con el sangriento asesino Jack el destripador, asesino de 5 prostitutas entre agosto y octubre de 1888. La dirección de Meyer es muy brillante, con un magnífico guión, una preciosa música de Miklos Rozsa, una atractiva fotografía y un excelente trabajo del reparto, sobre todo de Malcolm McDowell, David Warner y Mary Steenburgen. El ritmo es muy fluido y funciona muy bien la mezcla de thriller, terror, amor y humor (con algunos gags muy divertidos). Esta maravillosa película sirve también  para conocer la personalidad de Wells, escritor, pensador socialista critico, defensor de los derechos de la mujer, etc…. En fín, una joya cinematográfica a descubrir.

“El Hobbit. Un viaje inesperado” (2012) dirigida por Peter Jackson (USA-NUEVA ZELANDA)

El Hobbit. Un viaje inesperado

 

FICHA TÉCNICA

Producida por Carolynne Cunningham & Zane Wainer & Fran Walsh & Peter Jackson, producción ejecutiva de Alan Horn & Toby Emmerich & Ken Kamins & Carolyne Blackwood, co-producción de Philippa Boyens & Eileen Moran, producción asociada de Matthew Dravitzki & Amanda Walker, producción de Metro Goldwyn Mayer (MGM) & New Line Cinema & Wingnut Films & M, guión de Fran Walsh & Philippa Boyens & Peter Jackson & Benicio del Toro (basada en la novela de J. R. R. Tolkien), fotografía de Andrew Lesnie, musica de Howard Shore, diseño de producción de Dan Hennah, montaje de Jabez Olsen, decoración del set de Simon Bright & Ra Vincente, vestuario de Bob Buck & Anna Maskrey & Richard Taylor, supervisión de efectos visuales de Joe Lattieri, , efectos especiales y de animación de Weta Digital, LTD, armaduras, , armas, criaturas y maquillaje especial por Weta Workshop L.D

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, James Nesbitt, Ken Stott, Graham McTavish, William Kircher, Stephen Hunter, Dean O’Gorman, Aidan Turner, John Callen, Peter Hambleton, Jed Brophy, Mark Hadlon, Alan Brown, Sylvester McCoy, Ian Holm, Elijah Wood, Hugo Weaving, Cate Blanchett, Christopher Lee, Andy Serkis (voy y movimientos), Lee Pace

Género: Aventuras fantásticas medievales. Duración: 2 hora 42 minutos

 

ARGUMENTO

Bilbo Bolsón, tranquilo y pacífico hobbit de La Comarca, es arrastrado por el poderoso mago Gandalf “El Gris” y 13 enanos, liderados por Thorin “Escudo de Roble” hacia una aventura épica para recuperar el reino enano de Erebor del terrible Dragon Smaug. Su viaje les hace adentrarse en el bosque cruzando tierras peligrosas, donde se encontrarán con trasgos, orcos y wargos, así como una misteriosa y siniestra figura llamada Nigromante. A lo largo del camino, el sencillo Bilbo Bolsón no solo descubre, y se sorprende, de lo astuto y valiente que puede llegar a ser, sino que se hace con un “tesoro”, un anillo ligado al destino de la Tierra Media hasta un punto que ni el mismo puede imaginar.

CRÍTICA
Peter Jackson (1961) es un actor, fotógrafo, guionista y director de cine neozelandés. En su infancia tenía pasión por las cámaras de fotos y una amiga de sus padres le regaló una cámara de “Super 8”, con la que rodó cortometrajes con sus amigos.
A los 9 años vio “King Kong” (1933), que le marcó profundamente, convirtiéndose en un apasionado del cine y literatura fantástica. Se hizó gran fan de Ray Harryhausen, maestro americano del “Stop Motion”.
Estaba decidido a ser director, pero al no ser fácil trabajó en el departamento de litografía de una periódico. En sus ratos libres rodaba películas amateurs y dejó el periódico, debutando en el cine con la comedia “gore”  “Mal gusto” (1987) que también protagonizó. Después rodó “El alucinante mundo de los Feebles” (1989) y “Braindead. Tu madre se ha comido a mi perra” (1992). Estas tres películas se caracterizan por su humor salvaje y feista y gran dosis de gore. Después cambió con “Criaturas celestiales” (1994), mezclando fantasía y brutal realidad, recreando un terrible crimen real ocurrido en Nueva Zelanda en 1994.
 Un año después realizaría un falso documental “La verdadera historia del cine” (1995), sobre un supuesto y falso pionero del cine (toda una gamberrada).
“Criaturas celestiales” le dio a conocer al gran público, por lo que Hollywood llamaría a su puerta enseguida. El famoso director Robert Zemeckis buscaba nuevos talentos y conoció a Jackson, que aceptó trabajar para los grandes Estudios de Hollywood, siempre que le dejasen rodar en su tierra, con su propio equipo autóctono, con lo que los costes de producción eran más baratos.
Su debut en el cine americano fue con “Agárrame esos fantasmas” (1996), singular comedia de terror con Michael J. Fox, oscura y violenta, pero con mucho humor y sin los excesos gore de sus inicios.
Pero Jackson quería adaptar “El Señor de los Anillos” (1953-55), momumental trilogía del inmortal escritor J. R. R. Tolkien (muchísimas veces intentada llevar al cine). Jackon realizó la trilogía: “La Comunidad del anillo” (2001), “Las dos torres” (2002) y “El retorno del Rey” (2003), en mi opinión la mejor saga fantástica llevada al cine , con un reparto estupendo, una factura técnica y artística  inmejorable y gran respeto a Tolkien y a su mensaje. Después del arrollador éxito de esta saga, ganadora de muchos Oscars,y convertido en el director de moda, Jackson rodó un remake de “King Kong” (2005), un film de gran calidad, aunque algo largo. Para reponerse de tanta superproducción rodó la interesante ” The lovely Bones” (2009) drama fantástico familiar sobre la famosa novela de Alice Sebold.
Peter Jackson ha destacado también como productor, con films como “Distrito 9” (2009) del sudafricano Neil Bloomkamp, original y excelente muestra de ciencia-ficción critica y “Las aventuras de Tintín. El secreto del Unicornio” (2011) de Steven Spielberg, maravillosa adaptación del famoso cómic de Hergé (la segunda parte la realizará Jackson y la producirá Spielberg, con estreno en 2015).
“El Hobbit” ha sido un proyecto complicado. Fue la primera novela sobre la Tierra Media (escrita en 1937) y se desarrolla 60 años antes de “El Señor de los Anillos”. Iba a producirla Jackson y a dirigirla Guillermo Del Toro, pero innumerables problemas provocaron grandes retrasos, por lo que Del Toro se acabó yendo y Jackson decidió dirigirla. Para sorpresa de todos, decidió adaptar el libro en 3 partes, (basándose también en los apéndices de Tolkien). Las otras dos partes se llamarán “La desolación de Smaug” (2013) y “Partida y regreso” (2014). Esta primera cinta recuerda a la trilogía de los anillos en  su esmerada ambientación, su excelente diseño de producción, impactantes efectos especiales, sus trepidantes escenas de acción e impresionantes paisajes. Pero su tono es mucho menos oscuro y tenebroso y tiene más humor.
Los actores están muy bien, tanto los nuevos (con mención especial para Martin Freeman, excelente como Bilbo), como los que ya aparecieron en “El Señor de los Anillos”.  El guión está muy bien estructurado, la música es preciosa (mezclando temas nuevos y viejos) y espectacular la fotografía. Tiende maravillosas secuencias como el encuentro de Bilbo y Gollum, la secuencia con los tres trolls , el inicio en Bolsón cerrado o los vigorosos Flash-backs. En fín, una maravillosa película, recomendada a los fans del cine fantástico y de Tolkien. Esperó conseguir la versión extendida que sale a final de año, antes del estreno de la 2º parte.

“Oblivion” (2013) de Joseph Kosinski (USA)

Oblivion
FICHA TÉCNICA
Producida por Peter Chermin & Dylan Clark & Duncan Henderson & Joseph Kosinski & Barry Levine, producción ejecutiva de Jesse Berger & Dave Morrison & Justin Springer, producción asociada de Emily Chung, co-producción de Bruce Franklin & Steve Gau & Barry Levin & R. J. Mino, producción de Universal Pictures & Chermin Entertainment & Relativity Studios & Monolith Pictures & Radical Studios, guión de Joseph Kosinski & Kark Gajdusek & Michael Arndt (basada en el cómic de Joseph Kosinski & Arvid Nelson), fotografía de Claudio Miranda, música de M.8.3, montaje de Richard Francis Bruce,casting de Marcia Ross,  diseño de producción de Darren Gilford, dirección artística de Mark W. Mansbridge, , decoración del set de Ronald R. Reiss, vestuario de Marlene Stewart, supervisión de efectos visuales de Digital Domain
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Tom Cruise, Olga Kurylenko, Andrea Riseborough, Morgan Freeman, Nikolaj Coster-Waldau, Melissa Leo, Zoe Bell, James Rawlings, Jordan Sudduth, Andrew Breland
Género: Ciencia-ficción. Duración: 2 horas 4 minutos
ARGUMENTO
Estamos en el año 2077, seis décadas despues de una invasión extraterrestre. La Tierra ya no es lo que era. Ahora es un planeta desolado tras una incesante guerra entre humanos y aliens …que los primeros ganaron. Jack Harper es un ex-marine que junto con Victoria se encarga de supervisar las reparaciones que tienen lugar aquí. Forman parte de un equipo que trata de extraer los mayores recursos posibles del subsuelo y el medio ambiente. Su misión está a punto de terminar, y una vez concluida, podrá alojarse en el planeta Titán, donde residen los supervivientes de la Tierra. Pero la súbita aparición de Julia Rusakova, astronauta y un grupo de insurgentes humanos hará que Harper se replantee todo lo que cree saber.
CRÍTICA
Joseph Kosinski (1974), debutó como realizador haciendo spots publicitarios para TV, especializándose en el el campo de los gráficos y las imágenes generadas por ordenador. Residente en Los Angeles desde 2005, empezó a involucrarse en distintos proyectos cinematográficos desde 2007 y hata la actualidad: estuvo a punto de hacerse cargo de una nueva versión de “La fuga de Logan” para Warner Bros, y tras debutar con “Tron Legacy” (2010), actualmente prepara una nueva secuela de “Tron”.
 “Oblivion” es un proyecto que nació en 2005, primero unas doce páginas de argumento y unos años después se pasó a novela gráfica. La llegada de “Tron Legacy”  y su recaudación (400 millones en todo el mundo), le permitió poder rodar su proyecto favorito. El resultado es una brillante película de ciencia-ficción, con un poderoso estilo visual, excelente fotografía, montaje y música, atractiva dirección artística e impresionantes decorados. Las interpretaciones son muy solventes, sobre todo Tom Cruise, la trama interesante (aunque hay que seguirla con atención), con ritmo que no aburre, y alguna reflexión interesante.
En fín, una buena propuesta, poco original (recuerda a muchos clásicos del género), pero recomendable a los fans del género.

“El fin del romance” (1999) de Neil Jordan. (GRAN BRETAÑA-USA)

El fin del romance
 FICHA TÉCNICA
Producida por Stephen Wooley & Neil Jordan, co-producida por Lathy Sykes,  guión de Neil Jordan (basada en la novela de Graham Greene), fotografía de Roger Pratt, B.S.C, musica de Michael Newman, montaje de Tony Lawson A.C.E, casting de Sussie Figgis, diseño de producción de Anthony Pratt, dirección artística de Jon Billington & Tony Woollard, decoración del set de John Bush & Joanne Woollard, vestuario de Sandy Powell
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Ralph Fiennes, Julianne Moore, Stephen Rea, Ian Hart, Heather Jay Jones, James Bolam, Sam Bould, Jason Isaacs, Simon Fisher-Turner, Deborah Findlay,
Género: Drama «retro». Duración: 1 hora 37 minutos. Premios: nominada a 4 Globos de Oro y 1 Oscar
 ARGUMENTO
Durante la 2º Guerra Mundial, en una Inglaterra devastada por la guerra, Sarah Miles está casada con Henry, un importante funcionario a quien ama, pero con el que mantiene una relación prácticamente fraternal. Cuando conoce a Maurice Bendrix, un escritor amigo de su marido, ambos se sienten inmediatamente atraídos el uno por el otro, y comienzan un apasionado romance. Su pasión es arrasadora, debido a lo posesivo y celoso que es Maurice hasta el día  que, después de un bombardeo, de repente, Sarah desaparece misteriosamente de la vida de Maurice.
CRÍTICA
Neil Jordan (1950-) es un director de cine irlandés. Nació en Silgo, un pequeño pueblo en el norte del país.Su infancia estuvo marcada por una fuerte creencia en el catolicismo, así asistió al colegio San Paul Collegue, en la ciudad de Raheny. Al terminar su escuela secundaria quiso conocer más la historia de Irlanda y su pasión por la lectura le impulsó a estudiar literatura inglesa. Para conseguir estos propósitos viajó a Dublin, donde estudió en la Universidad Collegue, graduándose con honores. Quería ser escritor pero fue llamado por el director inglés John Boorman que le convirtió en sus asistente durante el rodaje de “Excalibur” (1981), iniciándose así en el cine.
Debutó como director en 1982 con “Danny Boyle” , sobre un músico envuelto en el IRA (una temática muy frecuente en su filmográfia). Despues realizaría titulos como “En compañía de lobos” (1984), singular visión sobre los hombres lobos, “Mona Lisa” (1986) intenso “noir” que le hizo famoso y que hizo que Hollywood llamara a su puerta. Pero las comedias “El hotel de los fantasmas” (1988) y “Nunca fueron ángeles” (1989) fueron un fracaso, así que volvió a su tierra donde realizó “Juego de lágrimas” (1992)  otra vez sobre el IRA,  con el que ganó el Oscar. Volvió a USA donde triunfó con la terrorífica “Entrevista con el vampiro” (1994) y “Michael Collins”(1996), excelente biografía sobre el creador del IRA. Después, su carrera ha ido alternando títulos personales como “A contracorriente” (1997), “El fin del romance” (1999) o “El buen ladrón” (2002) con cintas comerciales como “Dentro de mis sueños” (1999) o  “La extraña que hay en mí” (2007). Últimamente ha realizado la serie de TV “Los Borgia” (2011).
“El fin de romance” es una de sus mejores películas, adaptación de la novela del excelente Graham Greene (1904-91). La dirección es muy buena, así como la preciosa fotografía,  la  sensible música, montaje, etc. El guión está muy bien estructurado (en presente y flash-backs) y enriquecen los dramas de los personajes, con un excelente trabajo actoral, sobre todo el trío protagonista. Jordan es muy fiel al material de Greene y realiza inteligentes reflexiones sobre el amor, la pasión, el matrimonio, la infidelidad y la religión. El personaje de Fiennes, un hombre airado, posesivo, celoso me ha parecido trasunto de Greene, que era un hombre atormentado. En resumen un título excelente sobre temas universales, al que solo sobran unas innecesarias escenas sexuales.

“El cuerpo” (2012) de Oriol Paulo (ESPAÑA)

El cuerpo
FICHA TÉCNICA
Producida por Joaquin Prado & Mar Targarona & Mercedes Gamero & Mikel Lejarza, producción ejecutiva de Pepe Torrescusa, producción asociada de Laura Rubirola, producción de Rodar y Rodar & Antena 3 Films, guión de Oriol Paulo & Laura Sendim, fotografia de Oscar Faura, música de Sergio Moure de Oteyza, montaje de Juan Manuel Vilaseca, casting de Andrés Cuenca & Tonucha Vidal, diseño de producción de Reyes Matabuena, dirección artística de Didac Bono, decoración del set de Nuria Muni, vestuario de Maria Reyes
FICHA ARTÍSTICA
José Coronado, Hugo Silva, Belén Rueda, Aura Garrido, Miguel Gelabert, Juan Pablo Shuk, Manuel Dueso, Oriol Vila, Carlota Olcina, Patricia Bargalló,, Silvia Aranda, Mia Esteve, Montse Guallar, Christina Plazas, Nausicaa Bonnin
Género: Thriller. Duración: 1 hora 46 minutos. Nominada a 1 Goya (mejor dirección novel)
 ARGUMENTO
El vigilante nocturno de un depósito de cadáveres es atropellado tras abandonar su puesto de trabajo en estado de pánico. Cuando la policía se presenta para investigar, descubre que el cadáver de una mujer recién fallecida ha desaparecido de la morgue. Sin ninguna pista que aclare el extraño suceso, el inspector Jaime Peña recurre a Álex Ulloa, el viudo de la mujer desaparecida.  Juntos, durante el transcurso de una noche intensa, intentarán descubrir la verdad sobre las misteriosas causas de la muerte de la mujer y la desaparición de su cuerpo.
CRÍTICA
Oriol Paulo (1975) es guionista y director de cine. Nacido en Barcelona, estudió comunicación audiovisual en la Universidad Pompeo Fabra y cine en Los Angeles Film School (USA).
Como guionista ha trabajado en diversas series de TV y ha sido  co-guionista junto al director Guillem Morales del thriller de terror “Los ojos de Julia” (2010). Después de escribir y dirigir varios cortos entre Barcelona, Madrid y Los Angeles y dirigir la TV movie “Ecos” (2006) debuta con “El cuerpo”.
Paulo dirige el film con aplomo,  con un guión tramposo pero eficaz, dosifica bien la intriga, aprovecha muy bien los escenarios y los actores actuan con convicción. El film tiene una atmósfera oscura e inquietante,apoyada por una desasosegaste música y tenebrosa fotografía y está muy influida por el maestro Hitchcock
En resumen, una entretenida obra de género.