Mes: septiembre 2015

de

“Philomena” (2013) de Stephen Frears (REINO UNIDO-USA-FRANCIA)

  • FICHA TÉCNICA
  • Philomena-309776430-large
  • Producida por Gabriel Tan & Steve Coogan & Tracey Seaward, producción ejecutiva de Carolyn Marks Blackwood & Francois Invernel & Christine Lagan & Cameron McCracken & Henry Normal, producción de BBC Film & Pathé & Baby Cow Productions & British Film Institute, guión de Steve Coogan & Jeff Pope (basado en el libro “El hijo perdido de Philimena Lee” escrito por Martin Sixmith y publicado en 2009), fotografia de Robbie Ryan, música de Alexander Desplat & Naomi Donne, montaje de Valerio Banelli, casting de Leo Davis & Lissy Holm, diseño de producción de Alan MacDonald, dirección artística de Sarah Bicknell, decoración del set de Barbara Herman Skelding, vestuario de Consolata Boyle
  • FICHA TÉCNICA
  • Intérpretes: Judi Dench, Steve Coogan, Charlie Murphy, Simone Lahhib, Anna Waxwell Martin, Mare Winningham, Michelle Fairley, Sophie Kennedy Clark, Barbara Jefford, Peter Hermann, Sean Mahon
  • Género: Melodrama. Duración: 1 hora y 37 minutos. Nominada a 4 Oscars y 1 BAFTA. Mejor guión y SIGNIS Festival de Venecia 2013
ARGUMENTO
Philomena Lee, una enfermera jubilada , no ha podido olvidar a pesar de los 50 años transcurridos, al hijo que tuvo cuando era adolescente, y que fue dado en adopción por las monjas del convento irlandés de Roscrea, que acogía a jovenes madres solteras. Aunque siempre ha mantenido el hecho en secreto, un día se lo desvela a su hija, quién propone a Martin Sixmith, un periodista político de la BBC en horas bajas, que las ayuda a dar con “su paradero”. Aunque reticente al principio a escribir sobre un historia de “interés humano” , acaba accediendo, lo que le sumerge en una investigación que le va a cambiar la vida.
Crítica
Stephen Frears es un director de cine británico nacido en 1941. Nacido en Leicester, su madre era trabajadora social y su padre médico y contable. Cursó estudios secundarios durante 1954-58 en la reputada “Escuela Gresham ” en Norfolk, y más tarde estudió Derecho en el Trinity College de Cambridge, donde finalizó sus estudios en 1963. Sin embargo, tras su contacto con John Cleese, David Frost y otros miembros de “Los Monty Phyton”  se sintió atraido por el teatro y luego por el cine. A partir de 1965 trabajó como ayudante de dirección en films como “Morgan, un caso clínico” (1965) de Karel Reisz, “Charlie Bubbles” (1967), de Albert Finney o  “If…” (1968) de Lindsay Anderson.
Pero su carrera se centra en trabajos televisivos, sobretodo para la BBC , donde realizó antológicas series de teatro, y corto político en 1967.
Debuta como director de cine con la comedia de cine negro “Detective sin licencia” (1971), pero no alcanza la fama hasta “Mi hermosa lavandería” (1985), a la que siguen títulos como “Ábrete de orejas” (1987) o “Sammy y Rosie se lo montan” (1987), que tratan con crudeza temas como la homosexualidad o el racismo. En 1988 debuta en Hollywood con la excelente “Las amistades peligrosas”, que hace que alterne films en USA como “Los timadores” (1990), “Heroe por accidente” (1992) o “Alta fidelidad” (2000) con otros mas sencillos en su país como “Café irlandés” (1993) o “La camioneta” (1996). Yo he visto varios trabajos suyos, los cuales me gustaron mucho (es muy buen director) y su última gran película es “The Queen” (2006). Ahora adapta una historia real y el resultado es una interesante película.
Su dirección está muy cuidada, el guión muy brillante, la fotografía y música son de gran calidad y el montaje dota a la película de un ritmo sereno, aunque lo mejor son las interpretaciones, sobretodo el electrizante duelo entre Judy Dench y Steve Coogan. Hay que hablar del contenido, que tiene un fuerte carácter anticatólico (casi todas las monjas son siniestras, se ironiza sobre la moral de la Iglesia), pero no llega a serlo por completo por la actitud de Philomena ( a pesar de su dolor ha aprendido a perdonar y aún es creyente) y critica al periodista (muy cínico y descreído) y al periodismo sensacionalista. En fin, un film de interés, pero hay que verlo desde la adecuada perspectiva.
de

“Un hombre en el tejado” (1976) dirigida por Bo Widerberg (SUECIA)

uno
FICHA TÉCNICA
Producida por Per Berglund, guión de Bo Widerberg (del bestseller «Un hombre abominable» de Maj Sjowal & Per Wahloo), dirección de producción de Stefan Jark & Suzanne Branner, musica de Bjorn J:Son Lindh, escenografía de Ulf Axén, sonido de Lennart Dunér & Peter Ekvall, montaje de Bo Widerberg & Sylvia Ingemarsson, fotografia de Odd Geir Saether & Pell Kállberg
FICHA ARTÍSTICA
Interpretes: Karl Gustav Lindstedt, Sven Wollter, Eva Remaus, Thomas Hellberg, Hákan Serner, Birgitta Valdberg, Harlad Hamrell, Ingvar Hirdvall, Gus Dahlstrom, Bellan Roos, Torgny Andenberg, Folke Hjort, Carl-Axel Heinkert
ARGUMENTO
El Teniente de la policía Nyman es brutalmente asesinado en un hospital de Estocolmo. Martin Beck y sus colegas inician la investigación del homicidio. Nyman era un policía conocido por la brutalidad de sus métodos y acumulaba muchas quejas por sus actuaciones. Entre ellas, la de Áke Eriksson cuya esposa murió bajo su custodia policial. Eriksson sube a un tejado en el centro de Estocolmo y empieza a disparar sembrando el pánico entre los transeúntes.
CRÍTICA
Bo Widerberg (1930-97) fue un escritor, agente y director de cine sueco. Comenzó su carrera como escritor en 1952 con “Otoño” y hasta su muerte publicó novelas, cuentos ensayos y una obra teatral. Debutó en el cine en 1963 con “El carro de bebé” y obtuvo el reconocimiento internacional con “Elvira Madigan” (1967). Realizó 13 películas hasta su muerte (de las cuales yo no he visto ninguna). Tambien rodó películas para televisión y dirigió obras teatrales.
“Un hombre el el tejado” es un notable film, rodado con mucha seguridad, con tono sobrio y conciso. La fotografía y la música son excelentes así como el estupendo reparto de desconocidos (al menos para mí). Es una dura crítica de la corrupción policial, sobretodo de ese “falso corporativismo” que permite todo tipo de abusos. En ese sentido me recordó a películas de Sidney Lumet y la parte de acción está muy bien rodada. Resumiendo, una muestra del mejor cine europeo de género, en el mejor estilo de los 70.
de

“Testigo silencioso” (1978), dirigido por Daryl Duke (CANADÁ)

Testigo silencioso

FICHA TÉCNICA

Producida por Joel B. Michaels & Stephen Young, producción ejecutiva de Garth H. Drabinsky, produccion asociada de Curtis Hanson, producción de Carolco Entertainment, guión de Curtis Hanson (de la novela de Anders Boresen) , fotografía de Billy Williams, música de Oscar Peterson,montaje de George Appleby, casting de Karen Hazzard, diseño de producción de Trevor Williams, decoración del set de Dave Deyell & Gerry Holmes

FICHA ARTÍSTICA

  • Intérpretes: Elliott Gould, Christopher Plummer, Susannah York, Céline Gomez, Michael Kirby, Sean Sullivan, Ken Pogue, John Candy, Gail Dahms-Bonine, Michael Donohue, Jack Duffy, Nancy Simmonds
  • Género: Thriller.Duracion: 1 hora 41 minutos. Mejor dirección otorgada por los Premios de Canadá

ARGUMENTO

Montreal. Harry Reikle, un cruel y inteligente ladrón atraca un banco los días anteriores a Navidad bajo la mirada de un niño pendiente de cada uno de sus movimientos.
El humilde cajero atracado, Miles Cullen, se percata de cada uno de los movimientos del asaltante sabiendo que volverá. Miles le prepara una curiosa bienvenida en la que el atracador se sentirá engañado y estafado y será a partir de ese momento que se iniciará un intenso duelo psicológico entres los dos.
CRÍTICA
Daryl Duke (1929-2007) fue un director de TV y cine canadiense. Nacido en Vancouver, Columbia británica, se convirtió en uno de los primeros productores regionales de CBS Televisión. Su carrera continuó con CBC TV como productor de series como “Esta hora tiene siete dias” (1964-66) y luego en USA en los mejores canales TV.  Dirigió episodios de “Wojeck” (1970), “Galería nocturna” (1971), “El psiquiatra” (1971) o “Banaceck” (1972). Su mayor éxito en TV fue la miniserie “El pájaro espino” (1983) con Richard Chamberlain y también creó un canal de la TV canadiense y colaboró con Bob Dylan en varios vídeos musicales.
Dirigió 4 películas, de las cuales solo he visto una. “Testigo silencioso” es un estupendo thriller, con una vibrante dirección de Duke, un excelente guión de Curtis Hanson (después afortunado director de “La mano que mece la cuna” o “L.A. Confidencial”), una inquietante música y una magnífica fotografía. Los actores están muy bien, sobre todo Gould y Plummer, que realizan un intenso duelo interpretativo.
En fín, un estupendo thriller a descubrir, recomendada a los amantes del género.

 

 

de

“Un rostro de mujer” (1941) dirigida por George Cukor (USA)

  • Un_rostro_de_mujer-904974560-large
  • Producida por Victor Saville produccion de Metro-Goldwyn Mayer (MGM), guión de Donald Ogden Stewart & Elliot Paul (basada en la obra teatral de Francis de Croisset), fotografía de Bronislou Kaper (B/N), musica de Bronislau Kaper, montaje de Frank Sullivan, dirección artística de Cedric Gibbons, decoracion del set de Edwin B. Willis, vestuario de Adrian, sonido de Douglas Shearer
  • FICHA ARTÍSTICA
  • Intérpretes:Joan Çrawford, Melvyn Douglas, Conrad Veidt, Osa Massen, Reginald Owen, Albert Basserman, Marjorie Main, Donald Meek, Charles Quigley, Robert Warwick, Henry Daniel, George Zucco.
  • Genero: Drama.
  • Duración: 1 horas 43 minutos
 ARGUMENTO
Suecia. Anna Holm es una chantajista profesional que se odia a sí misma y al resto del mundo por una cicatriz facial que la ha desfigurado. Solo halla consuelo en los brazos del detestable Torsen Barring.
Cuando un conocido cirujano plástico realiza una milagrosa cirugía y le devuelve la belleza, le brinda a Anna la oportunidad de volver a empezar. Pero su alma sigue herida y se encuentra dividida entre su pasado destructivo y el deseo de una nueva vida
CRÍTICA
George Cukor (1899-1983) fue uno de los grandes directores del cine estadounidense. Nacido en Nueva York era hijo de un matrimonio judio de procedencia húngara. Heredó la pasión por el espectáculo de su madre, que se disfrazaba de actrices famosas para su amigas burguesas. Aunque empezó a estudiar Derecho pronto, el joven George descubrió que le encantaba el teatro y dejó los estudios para unirse a una compañía de cómicos de Rochester, empezando como actor pero destaca como director, poniendo en marcha sus propios montajes.
Con la llegada del sonoro Hollywood buscó gente en todas partes, incluso en el teatro, consiguiendo Cukor ser contratado como dialoguista y asistente de dirección, debutando como director en 1930. Despedido más tarde, se puso a las órdenes de su amigo el productor David 0’Selznick a RKO y MGM.  Su unión dio lugar a films tan celebrados como “Hollywood” (1932), “Doble sacrificio” (1932), “Tentación” (1932) y “Cena a las ocho” (1933). Acabaron rompiendo cuando Cukor fue despedido del rodaje de “Lo que el viento se llevó” (1939). Se convirtió en un gran artesano al servicio de las productoras.
Homosexual declarado, le apodaron” director de actrices” lo cual nunca le gustó, aunque actrices como Greta Garbo, Katherine Hepburn o Joan Crawford lograron con él algunas de sus mejores interpretaciones y trató muy bien el universo femenino en magistrales films como: “Margarita Gautier” (1936), “La mujeres de las dos caras” (1941), “Luz que agoniza” (1944),  “Mujercitas” (1949), “Nacida ayer” (1950), “La actriz” (1953) “Ha nacido una estrella” (1954), “Las Girls” (1957), “El multimillonario” (1960) o “My Fair Lady” (1964). 
Pero también rodó grandes películas con protagonista masculinos como la dickensiana “David Copperfield” (1935), la teatral “Doble vida” (1947),  el curioso western “El pistolero de Cheyenne” (1960) o los films con Spencer Tracy “La llama sagrada” (1942) “Edward mi hijo” (1948), “La costilla de Adán” (1949) y “La impetuosa” (1952); estas dos últimas  las mejores colaboraciones de la pareja Tracy-Hepburn.
Hepburn fue una de sus actrices fetiche con trabajos como “Doble sacrifico”, “Mujercitas” (1933), “La gran aventura de Silvia” (1935) y “Vivir para gozar” (1938). Un fallo cardíaco acabó con su vida en 1983, dos años después de rodar el interesante drama femenino “Ricas y famosas” (1981).
“Un rostro de mujer” no es de sus películas más famosas, pero sí más interesantes. Como siempre la dirección de Cukor es excelente, el guión bien estructurado, la fotografía, música y montaje están muy cuidados y las interpretaciones son excelentes, sobretodo la siempre genial Joan Crawford. En resumen, un excelente melodrama recomendado al amante del buen cine clásico.
de

“Premonición” (2000) dirigida por Sam Raimi (USA)

premonicion

  • FICHA TÉCNICA
  • Producida por James Jacks & Tom Rosenberg & Gary Lucchesi, producción ejecutiva de Sean Daniel & Gregory Goodman & Ted Tannebaum & Rob Tappert, producción asociada de Grant Curtis, co-producción de Richard S. Wright, producción de Lakeshore Entertainment & Paramount Pictures & Alphaville Films, guión de Billy Bob Thornton & Tom Epperson, fotografia de Jamie Anderson, musica de Christopher Young, montaje de Arthur Coburn, A.C.E & Bob Murawski, casting de Deborah Aquila, diseño de producción de Neil Spisak, decoración del set de Marthe Pineau, vestuario de Julie Weiss
  • FICHA ARTÍSTICA
  • Intérpretes: Cate Blanchett, Giovanni Ribisi, Keanu Reeves, Katie Holmes, Greg Kinnear, Hilary Swank, Kim Dickens, J.K. Simmons, Gary Cole, Michael Jeter, Rosemary Harris, Chelcie Ross, John Beasley

  • Género: Thriller. Duración: 1 hora 45 minutos

ARGUMENTO

Annie Wilson usa sus poderes telepáticos para adivinar la suerte de sus vecinos en una pequeña localidad de Georgia. Viuda y con tres hijos que mantener, Annie lucha por poder mantener a su familia a la vez que soporta la dura carga de tener que sufrir en sí misma los problemas de todo el pueblo que acude para una consulta, una tirada de cartas o solicitando ayuda. Además sufre las violentas amenazas de Donnie, el peligroso marido de una de sus clientas. Tras la desaparición de la joven Jessica King, la policía, incapaz de hallar pistas sobre su paradero, solicita la ayuda de Annie.
CRÍTICA
Sam Raimi es un actor, guionista, productor y director de cine estadounidense. Nacido en Royal Oak en 1959 en el seno de una familia de emigrantes judíos rusos por línea paterna y húngara por la materna, fue educado en el cristianismo ortodoxo, criándose en Birmingham y Michigan. Quedó fascinado con la realización de películas cuando su padre trajo a casa una cámara de cine y luego hizo películas de “Super 8” con su amigo y colaborador Bruce Campbell. En la Universidad colaboró con su hermano Ted, sus amigos Robert Tappert y Bruce Campbell  para realizar un par de cortos que tuvieron mucho éxito.
Debutó en cine como director  con  el film de serie B “Posesión infernal” (1981), principio de una trilogia completada con “Terroríficamente muertos” (1986) y “El ejército de las tinieblas” (1992), que mezclaban terror, humor negrísimo y gran violencia, protagonizada por su actor fetiche Bruce Campbell (que ha hecho cameos en otros film de sus director). También dirigió “Ola de crímenes, ola de risas” (1985), alocada comedia negra co-escrita con los hermanos Coen y “Darkman” (1990), inteligente film de superhéroes con Liam Neeson. Después realizó films con estudios importantes y presupuestos millonarios como el curioso western “Rápida y mortal” (1995), el terrible drama “Un plan sencillo” (1998), el film de baseball “Entre el amor y el juego”(1999) o “Premonición ” (2000). Después realizó su personal trilogía sobre “Spider- Man” (2002,04,07), la terrorífica “Arrástrame al infierno” (2009) y “Oz, un mundo de fantasía” (2013). También ha producido “El gran salto” (1994) de los Coen y  trabajado en T.V en series como “Hércules” (1995-99) o “Xena” (1995-2001).
 He visto 8 de sus películas y me parece un director muy interesante.
“Premonición” es una historia que mezcla drama, thriller y terror. Raimi la dirige muy bien, apoyado por el solido guión, una estupenda fotografía,una evocadora música y unas excelentes interpretaciones de su estupendo reparto, sobre todo la gran Cate Blanchett. El tono es duro y a veces violento, pero no aburre en ningún momento y trata temas de interés. Una película altamente recomendable.
de

“Lincoln» (2012) de Steven Spielberg (USA)

ficha 63
FICHA TÉCNICA
Producida por Steven Spielberg & Kathleen Kennedy, producción ejecutiva de Daniel Luppi & Jeff Skoll & Jonathan King, co-producción de Adam Somner & Kristie Macosko Krieger, producción de 20th Century Fox & Dreamworks SKG & Amblin Entertainment & The Kennedy/Marshall Company & Participant Media & Reliance Entertainment & Dun Entertainment, guión de Tony Kushner (basado parcialmente en el libro «Equipo de Rivales: El genio político de Abraham Lincoln» de Doris Kearns Goodwin), fotografia de Janusz Kaminski, musica de John Williams, montaje de Michael Kahn, casting de Avy Kaufman, diseño de producción de Rick Carter, direccion artística de Curt Beech & David Crank & Leslie McDonald, decoración del set de Jim Erickson, vestuario de Joanna Johnston
FICHA ARTÍSTICA
Interpretes: Daniel Day-Lewis, Sally Field, David Strathairn, Tommy Lee Jones, James Spader, Hal Holbrook, Joseph Gordon-Levitt, Tim Blake Nelson, John Hawkes, Jackie Earle Haley, Lee Pace, David Costabile, Jeremy Strong, Bruce McGill, Jared Harris, Julie White, Michael Stuhlbarg, Joseph Cross, Peter McRobie, Gulliver Pendleton, Gloria Reuben, Boris McGiver, Stephen McKinley Henderson, Walton Goggins, Gregory Itzin, Adam Driver, Elizabeth Marvel, Colman Domingo, David Oyelowo, Jeremy Strong
ARGUMENTO
Enero de 1865. Estados Unidos lleva cuatro años desangrándose en una terrible guerra civil después que los Estados del sur proclamaran su secesión de la Unión. En ese tiempo el Presidente Abraham Lincoln ha declarado la emancipación de los esclavos arrogándose poderes especiales en tiempos de guerra, y acaba de ser reelegido para ocupar de nuevo la Casa Blanca. La lucha fratricida podría estar llegando a su fín, pues las autoridades del sur desean negociar una paz honrosa; pero Lincoln tiene la intención de lograr antes la votación en el Congreso de la decimotercera enmienda de la Constitución, que aboliría de una vez la esclavitud; el desafío consiste no solo en lograr los apoyos políticos necesarios- cuenta con los republicanos de su partido pero debe ganar votos entre los demócratas, sino el dilema de posponer la polémica votación, para llegar a la paz cuanto antes, lo que dejaría sin resolver la cuestión esclavista.
Genero: Drama histórico. Duración. 2 horas 20 minutos. 2 Oscars (mejor actor, dirección artística). Globo de Oro a mejor actor dramático. BAFTA a mejor actor
CRÍTICA
Steven Spielberg (1946) es guionista, productor y director de cine de USA. Nacido en Cincinatti, Ohio en el seno de una familia judía, pasó su infancia en Phoenix, Arizona. A los 12 años empieza su pasión por el cine, ya que empieza a filmar películas caseras con la cámara de su padre, de varios géneros, incluso una de ciencia ficción  “Fireligh” (1963) de 2 horas y media que estrena en el cine de su pueblo. De carácter solitario, soñador e imaginativo, muchas de sus películas provienen de experiencias de su infancia. A mediados de los 60, tras divorciarse sus padres se muda a Los Ángeles, donde no consigue entrar en la USC para estudiar cine, pero realiza varios cortos experimentales. Uno de ellos “Amblin” (1968) llama la atención de la productora Universal que le contrata para trabajar en T.V, donde realiza episodios de “Galería Nocturna” (1969), “Marcus Welby” (1971) o “Colombo” (1971).
Realiza en 1971 su primera película “El diablo sobre ruedas” (1971), filmada para televisión pero su extraordinaria calidad hace que empiece a ser conocido. Tras rodar 2 películas mas para T.V debuta en el cine con “Loca Evasión” (1974), brillante road-movie con Goldie Hawn, pero su consagración llega con la magistral “Tiburón” (1975).
Desde entonces ha destacado en géneros como la ciencia-ficción con  inolvidables títulos como “Encuentros en la 3º Fase” (1977), “E.T” (1982), “Inteligencia artificial ” (2001), “Minority Report” (2002), la aventura en su inolvidable saga de Indiana Jones (1981,84,89,2008), intensos dramas como “El color púrpura” (1985), “El imperio del sol” (1987), “La lista de Schindler” (1993), “Salvar al soldado Ryan” (1998) o “Munich” (2005) o tragicomedias como “Atrapame si puedes” (2002) y “La terminal” (2004). En 2011, tras rodar la adaptación animada “Las aventuras de Tintín. El secreto del Unicornio” (2011) y la bélica “Caballo de batalla” (2011) ha rodado «Lincoln».  Ha ganado dos Oscars y varios premios mas sin contar su faceta de productor que nos ha dado algunos inolvidables títulos como  “Poltergeist” (1982)”Gremlins” (1984), “Los goonies” (1985), trilogía de “Regreso al futuro” (1985,89, 90), “¿Quien engaño a Roger Rabbit” (1988), entre otras.
Lincoln es una de sus mejores películas. Spielberg dirige muy bien, como siempre (es un director muy visual), el guión es muy bueno,  con jugosos personajes y situaciones, la fotografía , música y montaje son maravillosos y  los actores están soberbios, sobretodo Daniel Day Lewis, dentro de un excelente reparto. Todo se enriquece con sabias reflexiones sobre la política, la libertad, la justicia, la familia y la guerra. Una gran película, recomendada a los fans de Spielberg, a los amantes de la historia y al cine de calidad.
de

«La caza» (2012) de Thomas Vintenberg. (DINAMARCA)

ficha 62
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Madds Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Annika Wedderkopp, Lasse Folgestrom, Susse World, Anna Louise Hassing, Lars Ranthe, Alexandra Rapaport, Sebastian Bull, Steen Ordell Gulbrand, Daniel Engstrup, Troels Thorsten, Soren Ronholt
ARGUMENTO
Lucas trabaja en el parvulario de un pueblecito danés. Los niños le adoran y el disfruta con ellos. Divorciado recientemente, añora a su hijo adolescente Marcus, al que ve poco. Perfectamente integrado en la comunidad local, ha iniciado una nueva relación y forma parte de un grupo de cazadores que comparten alegre camaradería.
 Tal equilibrio va a sufrir un vuelco cuando la pequeña Klara, hija de su mejor amigo, hace creer a la directora del parvulario que ha sufrido abusos sexuales. Lo que empieza como una piedrecita se convierte en inmensa bola de nieve que podría arrollar su complicada existencia.
CRÍTICA
Thomas Vintenberg (1969) es un director de cine danés, que junto a Lars Von Trier, fundó el movimiento “Dogma 95”, que estableció estrictas reglas para simplificar la producción de películas. Esta propuesta tan radical y agresiva produjo 12 películas antes de desaparecer.
Nacido en Copenhage (Dinamarca), en 1993 se graduó en la Escuela Nacional de cine de Dinamarca con “Last round”, que ganó el jurado y los premios de los productores en el Festival de Escuela de cine de Munich y el 1º premio en Tel Aviv (Israel). Ese año hizo su primera serie de T.V y su cortometraje de ficción “El niño que caminó hacia atrás”. (premiado en varios Festivales). En 1995  fundo el movimiento “Dogma 95” junto a Lars Von Trier, Christian Levring y Seren Krag-Jacobsen y año después debutó en el cine con “Los héroes más grandes” (1996) road-movie de enorme éxito.
En 1998 dirigió “Celebración” (1998), durísimo drama familiar y primera de “Dogma 95” que tuvo enorme éxito y premios como Jurado  en Cannes 98.
A continuación rodó “Es todo sobre el amor” (2003) ciencia-ficción apocalíptica rodada en inglés y con reparto americano y “Querida Wendy” (2005), una extraña coproducción rodada en USA, que no tuvieron éxito  así como un intento de recuperar sus raíces, “Un hombre vuelve a casa” (2007). Pero con “Submarino” (2010) y “La caza” (2012) ha recuperado su prestigio.
“La caza” está muy bien dirigida, con gran personalidad visual, un guión de hierro, una fotografía realista, una inquietante música y una excelente dirección de actores, sobretodo Madds Mikkelsen. Influida por “La calumnia” (1961) de William Wyler y “La jauría humana” (1966) de Arthur Penn, entre otras, critica la hipocresía de la sociedad actual, que dice proteger a los niños de los pederastas pero está obsesionada por el sexo e inculpa a inocentes basándose solo en rumores. En este sentido hay algunas escenas inquietantes, a veces violentas, que muestra la condena moral que sufre el protagonista, un buen hombre que no hizo nada. Es una película muy dura pero muy valiosa y la recomiendo para los amantes del buen cine.
de

“El pequeño salvaje” (1970) de Francois Truffaut. (FRANCIA)

  • FICHA TÉCNICA
  • salvaje8
  • Producida por Marcel Barbert, guión de Francois Truffaut & Jean Gruault, fotografía de Nestor Almendros ( B/N), musica de autores clásicos, montaje de Angés Guillemot, decoración del set de Jean Mandaroux, vestuario de Gitt Magrini, maquillaje de Nicole Félix
  • FICHA ARTÍSTICA
  • Intérpretes: Francois Truffaut, Jean-Pierre Cargol, Francois Seigner, Jean Dasté, Annie Miller, Claude Miller, Paul Villé, Matthieu Schiffman.
  • Género: Drama de época verídico. Duración: 1 hora 21 minutos
ARGUMENTO
En el año 1798 encuentran en un bosque de Francia a un niño salvaje que no puede caminar, hablar, leer ni escribir. El Doctor Jean Itard se interesa por él e inicia su educación.
A pesar de que esa educación será lenta, costosa y posiblemente sin buenos resultados, Itard se entrega a ella, ayudada por su fiel y cariñosa ama de llaves, la Señora Guerin.
CRÍTICA
Francois Truffaut (1932-84) fue actor, guionista y director, uno de los mejores de su generación. Nacido en París de madre soltera, tardó muchos años en conocer a su padre. El arquitecto y decorador Roland Truffaut-compañero sentimental de su madre- le inscribió en el registro como hijo suyo. El pequeño Truffaut tuvo una relación bastante fría con su madre, que le dejaba al cuidado de una niñera, hasta que le rescató su abuela, que le contagió su amor por la literatura y la música. A la muerte de esta, tiene que volver a vivir con su madre y su compañero, pero ante la falta de cariño de estos, se refugia en la literatura y el cine, al que acude habitualmente.
No fue precisamente un estudiante modelo, se escapaba y mentía, sobre todo para poder ir al cine, y acabó convertido en un adolescente conflictivo que no paraba de meterse en lios. Parecía predestinado al reformatorio, donde fue recluido por su padrastro. Resultó providencial para Truffaut su encuentro con André Bazin, el patriarca de la crítica francesa. El chico había creado su propio cineclub, “Le cercle cinemanie”, que financiaba gracias a su trabajo como mensajero y “chico para todo” en un mercado. Sus sesiones no tenían el éxito esperado porque coincidían con las de Bazin. El chico, con solo 16 años, se fue a ver a Bazin para exigirle que cambiase el día de sus proyecciones. A este le cayó en gracia, se convirtió en su protector, y le contrató como secretario personal y para escribir sus revistas, lo cual le libraría del reformatorio. Truffaut se lo agradecería toda la vida.
En la Cinemacoteca Nacional del París fue donde más aprendió de cine, marcándole especialmente los clásicos del cine americano, sobre todo John Ford, Howard Hawks, Nicholas Ray y Alfred Hitchcock, al cual dedicaría años después un libro legendario (“El cine según Hitchock” publicado en 1966) . En la revista “Cahiers du cinema”– fundada por Bazín en 1951- Truffaut colaboraría con futuros directores como Jacques Rivette, Jean-Luc Goddard, Claude Chabrol y Eric Rohmer, todos con talento y que cambiarían para siempre el cine francés, fundando el célebre movimiento “Nouvelle Vague” creado por el propio Truffaut en 1954 y que se oponía al cine hecho en Francia, sobre todos a los films acartonados y producciones literarias, que no reflejaban el punto de vista personal del director. Ese mismo año Truffaut debuta tras la cámara con el corto “Una visite” y luego “Les Mistons” (1955).
Le ayudó a conseguir financiación y seguir rodando películas su matrimonio con Madeleine Morgenstein en 1957, hija de un importante distribuidor. Aunque tuvo dos hijas acabó divorciándose en 1965. En 1959 su suegro le financia su primer largometraje “Los cuatrocientos golpes”, desgarradora y sentida mirada a su infancia, y una de las primeras películas de la “Nouvelle Vague”. El film obtiene un gran éxito y numerosos premios. En 1960 rueda “Disparad sobre el pianista”, brillante homenaje a su admirado cine negro americano, basada en la novela de David Goolis, pero el film fracasa porque la gente no le gusta el cine de la “Nouvelle Vague” (les parece demasiado intelectual). Al final el movimiento se disgregó y sus autores se dedicaron a un cine más comercial. Obsesionado por analizar una infancia tan desastrosa como la suya, Truffaut inicio un saga con el Antoine Doinel (siempre interpretado por Jean-Pierre Leaud) en el corto “Antoine & Collette” del film colectivo “El amor a los veinte años” (1962), “Besos robados” (1968), “Domicilio conyugal” y “El amor en fuga” (1979), contando en todas ellas su vida y amores. También recuperó el tema de la infancia perdida en “El pequeño salvaje” (1970) y “La piel dura” (1976), sobre la relación de los educadores y los niños.
El cineasta también rindió homenaje a sus pasiones culturales recreando el mundo del cine en “La noche americana” (1973), homenajeando al teatro en “El último metro” (1980); reivindicó el valor de la lectura con “Fahrenheit 451” (1966), adaptación de la clásica novela de Ray Bradbury, “Diario íntimo de Adele H” (1975) y otras adaptaciones literarias como “La sirena del Mississippi” (1969), “Las dos inglesas y el amor” (1971), “La habitación verde” (1978) o “Vivamente el domingo” (1983), su último film. Truffaut nunca consiguió la estabilidad, tuvo muchas relaciones fallidas, y fue compañero de la actriz Fanny Ardant, con la que rodó tres películas. La búsqueda del amor y las relaciones sentimentales son dos de los grandes temas de su filmografía, presentes en film como “Jules et Jim” (1962) o “La piel suave”.
Aunque se convirtió en un director consagrado, nunca dejó de escribir sobre cine (el libro sobre Hitchock el ejemplo más conocido) y se convirtió en el inspirador para los directores americanos posteriores, especialmente para Steven Spielberg, seguidor suyo,  que le contrató para su magistral obra de ciencia-ficción “Encuentros en la 3º Fase” (1977), como científico francés que intentaba comunicarse con los extraterrestres. Truffaut murió a los 52 años, por un tumor cerebral. Con él se fue uno de los grandes maestros del cine.
“El pequeño salvaje” es una de sus mejores obras, donde trata el tema de la infancia. Su dirección, como siempre es muy buena, con cierto aire documental, que aumenta el realismo de la historia. El guión está muy bien desarrollado y permite el lucimiento de sus excelentes actores, sobre todo el propio Truffaut y el desconocido Jean-Pierre Cagol, magistral en su papel del niño salvaje Victor. Todo esto acompañado por un cuidado montaje, una bellísima fotografía del maestro Nestor Almendros y una cautivadora música (casi toda de Mozart y Vivaldi). El film tiene momentos muy duros (la morbosa visita de la gente a la clínica para satisfacer su curiosidad) y muy tiernos (la visita del doctor y el niño a unos vecinos) donde se critica las carencias e injusticias de la época y se aboga por la dignidad y la educación de las personas, incluso de las llamadas “anormales). En resumen, una bellísima y magistral película recomendada a los amantes del gran cine. 

 

de

“Elemental, Doctor Freud” (1976) producida y dirigida por Herbert Ross. (USA)

 
  • FICHA TÉCNICA
  • FREUD2
  • Producción ejecutiva de Arlene Selllers & Alex Winitsky, producción asociada de Stanley 0’Toole, guión de Nicholas Meyer (basado en su novela, basada a su vez en las novela de Sherlock Holmes de Arthur Conan Doyle), fotografía de Oswald Morris, música de John Addison, montaje de Chris Barnes, casting de Rose Tobias Shaw, diseño de producción de Ken Adam, direccion artística de Peter Lamont, vestuario de Alan Barrett
  • FICHA ARTÍSTICA
  • Intérpretes: Nicol Williamson, Robert Duvall, Alan Arkin, Vanessa Redgrave, Laurence Olivier, Samantha Eggar, Charles Brown, Jeremy Kemp, Charles Gray,  Joel Grey, Georgia Brown, Regine. Anna Quayle, Jill Twonsend, John Bird, Alison Leagatt
  • Duración: 1 hora 48 minutos. Género: Thriller desmitificador decimonónico. Nominado a 2 Oscars (guion adaptado, vestuario)
ARGUMENTO
 Londres 1891. El famoso detective Sherlock Holmes malvive convertido en un cocainómano. Tras una larga ausencia, su inseparable compañero, el Doctor Watson, va a visitarlo.
Al encontrarlo en semejante estado, decide llevarlo a Viena, a la consulta del joven psicólogo Sigmund Freud, con la esperanza de que este le ayude a superar su adicción a las drogas.
A través del psicoanálisis y la hipnosis, Freud consigue adentrarse en el subconsciente del detective. Durante su convalecencia, Holmes conoce a una famosa actriz de teatro también drogadicta, que al poco tiempo es secuestrada.
CRÍTICA
Herbert Ross (1927-2001) fue un coreógrafo, actor, productor y director de cine estadounidense. Nacido en Brooklyn, Nueva York, debutó en el teatro como actor en 1942. Su carrera prosiguió los siguientes años en Broadway y en 1950 se inició como coreógrafo en el “American Ballett” (trabajando en el cine en 1954 para “Carmen Jones” film musical de Otto Preminger y en “Funny Girl” en 1968, de William Wyler).
En 1969 debutó como director de cine con el musical “Adiós, Mr Chips” (1969), con Peter 0’Toole y Petula Clark. Después, llegarían films emblemáticos como “Sueños de un seductor” (1971), “Funny Lady” (1975), “La pareja chiflada” (1975),  “Paso decisivo” (1977) o “La chica del adiós” (1977). En los ochenta su carrera fue discreta, excepto la maravillosa “Magnolias de acero” (1989). Su último film fue “Sólo ellas…los chicos a un lado” (1995).
“Elemental, Dr Freud” es una de sus películas más singulares. Basada en la novela apócrifa de Sherlock Holmes escrita por el guionista y luego notable Nicholas Meyer es uno de los films mas insólitos que he visto. La dirección de Ross es muy buena, el guión es muy inteligente (curioso como presenta al “genio del mal” Profesor Moriarty) que mezlca intriga, humor y thriller. Los actores están muy bien, nada sorprendente con el excelente reparto. La fotografía es preciosa, así como la vibrante partitura de John Addison.  Está muy conseguido el encuentro Holmes-Freud (el primero paranoico y cocainómano y el segundo muy inteligente) y se presenta a un Holmes más humano. En fín, una película estupenda (injusto fracaso en su época), recomendada a seguidores de Sherlock Holmes y de las “rarezas” cinematográficas.
de

“El gran golpe” (2012) de Choi Dong-Hoon (COREA DEL SUR)

  • FICHA TÉCNICA
  • 21003172_20130503161058561.jpg-r_640_600-b_1_D6D6D6-f_jpg-q_x-xxyxx
  • Producida por Ahn Soo-Hung, guión de Choi Dong-hoon & Lee Ki-cheol, producción ejecutiva de You Jeong-hun & Miky Lee & Myeong-chan Park, , producción de Showbox/Mediaplex & C. J Venture Investiment & KM Culture Co & Michigan Venture Capital, fotografía de Cho Young-hwan, musica de Jang Young-gyu Dalpalan, montaje de Shin Min-Kyung, diseño de producción de Lee Ha-jun, vestuario de Se-yeong Choi
  • FICHA ARTÍSTICA
  • Intérpretes: Kim Yun-seok, Kim Hye-soo, Lee Jung-jae, Gianna jun, Simon yam, Kim Hae-sook, Oh Dal-Soo, Kim Soo-hyun, Derek Tsang, Shin Ha-kyun, Lee Sinje, Angelica Lee, Kwok Cheung tsang.
  • Género: Thriller de ladrones. Duración: 2 horas 11 minutos. Presentada en el Festival de Sitges 2012
ARGUMENTO
Un grupo de ladrones internacionales se dispone a dar el golpe del siglo: robar un valioso diamante conocido como la “Lagrima del Sol” custodiado en un casino de Macao. Pero como el honor no existe entre ladrones, cada uno de ellos organiza por separado su propio y personal plan para ser el único que se quede con el botín.
CRÍTICA
Choi Dong-hoon es un guionista y  director de cine surcoreano. Nacido en Hangul en 1971, se gradúa en la prestigiosa Academia Coreana de Artes cinematográficas. Primero trabajó como ayudante de dirección para Im Sang-soo (que hace cameos en sus películas). En 2004, después de trabajar dos años en el guión, hizo su debut como director con “The Big Swindle”, un thriller, género que ha tratado en tres de sus cuatro películas. También ha rodado un cortometraje y un par de cameos como actor.  Se ha convertido en unos de los mas taquilleros y premiados directores de su país.
 “El gran golpe” es su cuarta película y la primera que he visto de él. El resultado es una cinta vibrante. La dirección es muy buena, el guión cuidado (aunque es poco original) y unos excelentes actores. Las escenas de acción están muy bien rodadas y el ritmo es muy fluido. Es poco novedoso porque recuerda a otras películas de robos, sobre todo “Ocean’s Eleven”, pero resulta muy entretenida.