Mes: septiembre 2015

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“007 al servicio de su Majestad” (1969) dirigida por Peter R. Hunt (GRAN BRETAÑA)

007 al servicio de su Majestad
FICHA TÉCNICA
Producida por Albert S. Broccoli & Harry Saltzman & Stanley Sopel, producción asociada de Stanley Sopel, producción de Eon Productions, guion de Richard Baubaum & Simon Raver (de la novela de Ian Fleming), fotografía de Michael Reed, música de John Barry, montaje de John Glen, diseño de producción de Syd Cam, dirección artística de Robert W. Laing, decoración del set de Peter Lamont, vestuario de Marjorie Cornelius
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: George Lazenby, Diana Rigg, Telly Savalas, Gabriele Ferzetti, Ilse Steppat, Bernard Lee, Lois Maxwell, Desmond Llewelyn, George Baker, Bernard Hursfall, Yuri Borionko, Virginia North, Geoffrey Chesire, Irvin Allen, Terence Mountain, James Bree, John Gay
Género: Thriller de espias. Duración: 2 horas 5 minutos
ARGUMENTO
Ernst Stavro Blofeld, amenaza de nuevo la estabilidad mundial, por lo que los superiores de 007 encargan al agente que anule sus proyectos. Bond salva de una tentativa de suicidio a la hermosa y encantadora Tracy Draco, cuyo padre, un gangster mundialmente conocido como Marc Ange. Draco promete ayudarle a encontrar a Blofeld (con la condición que se enamore y case con Tracy, de carácter rebelde). Gracias a Draco se infiltrara en el refugio secreto del cabecilla de la organización criminal SPECTRA, para así frustrar sus malvados planes.
CRÍTICA
Peter R. Hunt (1925-2002) fué un montador, director de cine y productor de t.v. Tenia un tio en la industria del cine que le consiguió trabajo en varias peliculas, siendo asistente de dirección del legendario productor Alexander Korda.
A los 17 años se alista en el ejército, con el objetivo de trabajar en la unidad de cine militar , pero acabó luchando en Salerno y Montecassino (1943-44). Dejó el ejército con el grado de Sargento en 1947 , estudiando arte en la Universidad de Roma y luego volviendo a Inglaterra, donde trabaja como «chico de los recados» en los Estudios Denham. Fué ascendiendo puestos y se convirtió en un habil y prestigioso montador (también fué director de la 1º unidad en los rodajes).
Como montador sus mejores trabajos fueron los cinco primeros Bonds e «Ipcress» (1965). Acabó siendo elegido como director de «007 al servicio de su Majestad» (1969).
Tras cinco Bonds (1962,63,64, 65,67), Connery se negó a seguir interpretando a 007 (quería probar otros registros), así que los productores Broccoli & Saltzman buscaron concienzudamente a otros candidatos. Al final el elegido fue un modelo australiano y vendedor de coches de cierta fama, George Lazenby, considerado el Bond mas flojo de la saga, en comparación con Roger Moore (1973,74,77, 79, 81, 83,85), Pierce Brosnan (1995, 97,99, 2002) y Daniel Craig (2006,08, 2012). Lo cierto es que esta cinta de Bond es un tanto atípica, ya que Bond aquí es más humano y casi no utiliza los gadges de Q, y además se enamora.
Lazenby no consiguió superar a Connery y está simplemente correcto, pero los demás están espléndidos, sobre todo Diana Rigg y Telly Savalas. La dirección de Peter Hunt es bastante buena, el guión (muy fiel a la novela) se enriquece con el retrato de la historia de amor, las escenas de acción están brillantemente ejecutadas, la música de John Barry es excelente (con un espléndido tema romántico cantado por Louis Amstrong). Es una película impactante de las que no hay que contar el final. Finalmente como curiosidad en un diálogo y en un par de escenas se rinde homenaje al Bond de Connery.
Un rareza muy recomendable.
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“Don Camilo” (1952) de Julien Duvivier (ITALIA-FRANCIA)

Don Camilo
 FICHA TÉCNICA
Producida por Giusseppe Amato, guión de Julian Duvivier & Rene Barjável (de la novela de Giovanni Guareschi),  fotografía de Nicholas Hayer (B/N), musica de Alessandro Cicognini, montaje de Maria Rosada, dirección artística de Virgilio Marcho, decoración del set de Fernando Ruffo
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Fernandel, Gino Cervi, Vera Talchi, Franco Interlenghi, Sylvie, Charles Vissíere, Clara Auteri Pepe, Italo Clerici, Peppino De Martino, Carlo Duse, Manuel Gary, Leda Gloria, Luciano Manara, Armando Migliari, Giovanni  Onorato
Género: Comedia costumbrista. Duración: 1 hora 40 minutos
 ARGUMENTO
1948. Brescello es un pequeño pueblo del valle del río Po donde la vida es dura y la economía precaria. Alli vive Don Camilo, el temperamental párroco del lugar, y Peppone (recién elegido), visceral alcalde comunista. Aunque los dos hombres se admiran en secreto, sus ideas políticas y sus luchas ideológicas despiertan el máximo interés entre los habitantes del pueblo.
CRÍTICA
Julien Duvivier (1896-1967) fué un director de cine francés. Su carrera comenzó como actor en 1916 en el teatro del Odeón , bajó la dirección de André Antoine. Dos años después se trasladó a Gaumont como escritor y asistente de varios autores, debutando como director de cine en 1919. En la década de los 20 sus films tenían una preocupación religiosa y en los 30 formó parte de la productora «Film d’Art» junto a Marcel Vandal y Charles Delac.
Con el principio de la 2º Guerra Mundial y la ocupación alemana, Duvivier se muda a A America, donde rueda títulos como «Lydia» (1941), «Seis destinos» (1942). «Al margen de la vida» (1943) o «El falsario» (1944).
Tras el fin de la guerra y rodar «Anna Karenina» (1948), regresa a Francia donde trabaja hasta su  muerte. De el solo he visto «Seis destinos», «Anna Karenina» y los primeros «Don Camilo»eme parece muy buen director.
Giovanni Guareschi (1908-68) fue un famoso periodista y escritor humorístico italiano. Periodista desde 1929, criticó la dictadura fascista, aunque se salvó al ser reclutado por el ejército durante la 2º Guerra Mundial y fue hecho prisionero de los alemanes al ocupar Italia en septiembre de 1943. Estuvo dos años preso en Polonia y Alemania y al regresar volvió al periodismo satírico, desarrollando una fuerte crítica anticomunista (debido a sus creencias cristianas), aunque también crítico a la Democracia Cristiana, llegando a estar un año en prisión por difamación. Sus novelas mas famosas son la saga de Don Camilo.
 La película destaca por su amable costumbrista, diálogos ingeniosos (entre Don Camilo y el Cristo de su iglesia), situaciones hilarantes (las puyas entre Don Camilo y Peppone) y las relaciones entre los dos bandos del pueblo (contadas a veces en entrañable voz en off).
Las interpretaciones son magníficas, sobre todo Fernandel y Gino Cervi (¡menudo duelo de titanes!), la dirección de Duvivier aprovecha muy bien los escenarios del pueblo, la fotografía y la música son preciosas y está llena de situación inolvidables. El enorme éxito daría lugar a cuatro películas más con los mismos protagonistas “El retorno de Don Camilo” (1953), de Duvidier otra vez, “Don Camillo y el honorable Peppone” (1955) y “Don Camilo Monseñor” (1961)” de Carmine Gallone y “El camarada Don Camilo” (1965) de Luigi Comencini. En fín, una saga maravillosa, divertida y llena de humanidad. Recomendable a los fans del cine italiano y en general.
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“Sin Identidad” (2011) de Jaume Collet Serra (USA-REINO UNIDO-ALEMANIA-JAPÓN)

Sin identidad
FICHA TÉCNICA
Producida por Joel Silver & Leonard Goldberg & Andrew Rona, producción ejecutiva de Susan Downey & Peter McAlesee & Sarah Meyer & Steve Richards, producción asociada de Aaron Auch & Ethan Erwin, co-producción de Oliver Courson & Christoph Fisser & Ron Halpern & Henning Molfenter & Charlie Woebcken, producción de Dark Castle Entertainment & Panda Productions Inc & Canal + & Horticus, Ok & Studios Babelsberg, guión de Oliver Butcher & Stephen Cornwell (basada en la novela de Didier Van Cauwelaert), fotografía de Flavia Labiano, musica de John Ottman & Alexander Rudd, montaje de Timothy Alverson, casting de Lucinda Syson, diseño de producción de Richard Bridgland, dirección artística de Stephen Dobric & Anja Mullen & Cornelia Ott, decoracíón del set de Bernhard Heinrich, vestuario de Ruth Myers
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Liam Neeson, Diane Kruger, January Jones, Aidan Quinn, Frank Langella, Bruno Ganz, Sebastian Koch, Oliver Schneider, Stipe Erceg, Rainer Bock, Mido Hamada, Clint Dyer, Karl Markovicks, Eva Lóbau
Género: Thriller. Duración: 1 hora 48 minutos
 ARGUMENTO
El Doctor Martin Harris llega a Berlín con su esposa Liz para un importante congreso científico. Antes de inscribirse en el hotel, vuelve al aeropuerto en taxi, porque olvidó una maleta, pero en el trayecto tiene un grave accidente por el que está 3 días en coma. Al despertar e ir a buscar a su esposa, descubre que ella no le reconoce y un extraño ocupa su lugar. Las autoridades no le creen, unos asesinos le persiguen y a Martin, solo, cansado y con recuerdos fragmentados, solo le ayudará una taxista bosnio (inmigrante ilegal) y un veterano investigador ex-agente de la STASI.
CRÍTICA
Jaume Collet Serra (1974), es un cineasta catalán afincado en Hollywood desde 1992. Allí estudió cine en Los Angeles. Luego se hizo montador e hizo importantes videoclips y anuncios con famosos como Enrique Iglesias y Brad Pitt. En 2004 debutó en el cine con la terrorífica “La casa de cera” (2004), remake juvenil del clásico de André de Toth de 1953. Luego realizo “¡Gool!! 2. Viviendo el sueño” (2005) , segunda parte de la trilogía deportiva y “La huérfana” (2009), de nuevo de terror. “Sin Identidad” (2011) es su cuarta película. Collett Serra realiza una sólida puesta en escena, que aprovecha muy bien los escenarios berlineses, mantiene la intriga todo el rato y obtiene de los actores unas estupendas interpretaciones.
Todo tiene cierto aire hitchcockiano, con realista fotografía e inquietante música de John Ottman. Neeson vuelve a demostrar que el thriller y la acción le viene muy bien, como demostró con “Venganza 1 & 2” (2008, 2012) y “El equipo A” (2010). En fin, una cinta recomendable para los amantes del thriller (con punto paranoico y conspiratorio).
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“Alguien voló sobre el nido del cuco” (1975) dirigida por Milos Forman (USA)

Alguien voló sobre el nido del cuco
FICHA TÉCNICA
Producida por Saul Saentz & Michael Douglas, producción asociada de Martin Fink, produccion de United Artist & guión de Lawrence Hauben & Bo Goldman (basada en la novela de Ken Kesey), fotografia de Haxler Wexler, musica de Jack Nitschze, montaje de Sheldon Kahn & Lynzee Klingman, casting de Jane Feinberg & Mike Fenton, diseño de producción de Paul Sylbert, dirección artística de Edwin O’Donovan, vestuario de Aggie Gerard Rodgers
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, William Duell, Will Sampson, Danny De Vito, Christopher Lloyd, Brad Dourif, Vincent Schiavelli, Scatman Crothers, Michael Berryman, Peter Brocco, Dean R. Brooks, Alonzo Brown
Género: Drama. Duración: 2 horas 8 minutos. 5 Oscars (pelicula, director, actor, actriz, guión adaptado). 5 Globos de Oro (pelicula, director, actor, actriz, guion adaptado), 6 BAFTA
ARGUMENTO
En 1963 Randle P. McMurphy ingresa el hospital psiquiátrico del estado fingiendo locura. Su carácter cínico, amoral e irrespetuoso revolucionará la monótona vida de los internos y chocará con los doctores y celadores del hospital, sobre todo con la fría y controladora enfermera jefe Midred Ratchet.
CRÍTICA
Milos Forman (1932-) es uno de los grandes realizadores checos de su generación nueva ola checa). De origen judío e infancia difícil (sus padres murieron en un campo de concentración), estudió en la famosa Escuela de Cine (Famu) de Praga, trabajando primero para la T.V. Forman, tan original como sus coetáneos, destacó en los años 60 con el documental “Konkeurs” y los largometrajes “Pedro el negro” (1963) y “Los amores de una rubia” (1965). Pero su fábula política “¡Fuego bomberos!” (1967), sátira anticomunista, Le enemistó con su gobierno y se exilió años después. Tras la “Primavera de Praga” de 1968, emigró a USA, donde todavía vive. Debutó en USA con la amarga “Juventud sin esperanza” (1971), destacando después con “Alguien voló con el nido del cuco” (1975), el musical “Hair” (1979), “Amadeus” (1984) , “Valmont” (1989), “Man in the Moon” (1999), entre otras.
 “Alguien voló sobre nido del cuco” la considero junto a “Amadeus”, su obra maestra (aunque no he visto todas las suyas).
Basada en la novela contracultural de Ken Kensey, fue publicada en 1961 y un años después Kirk Douglas la protagonizó en teatro, aunque con escaso éxito. Desde entonces se intentó llevar al cine en varias ocasiones y en 1975 se consiguió.
 Primero, destaco la excelente realización de Forman, el magnífico guión  (que describe con gran vigor situaciones y personajes), las excelentes interpretaciones, sobre todo de Nicholson y Fletcher, la realista fotografía y la curiosa pero emotiva música. El film está lleno de grandes momentos, de ternura, de gran dureza, de humor. En fín cine de cinco estrellas. Recomendación absoluta.
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“Memorias de una Geisha” (2005) dirigida por Rob Marshall (USA)

Memorias de una geisha
FICHA TÉCNICA
Producida por Lucy Fisher & Douglas Wick & Steven Spielberg, producción ejecutiva de Gary Barber & Roger Birnbaum & Bobby Cohen & Patrica Whitcher, co-producción de John de Luca, producción de Columbia Pictures & Dreamworks SKG & SpyGlass Entertainment, guión de Robin Swicord (basada en la novela de Arthur Golden), fotografia de Dion Beebe, ACS, ASC, musica de John Williams, montaje de Pietro Scalia, casting de Francine Maisler, diseño de producción de John Myre, dirección artística de Patrick M. Sullivan Jr, decoración del set de Gretchen Rau, vestuario de Colleen Atwood
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Ziyi Zhang, Ken Watanabe, Michelle Yeoh, Gong Li, Koji Kayusho, Yuoki Kudoh, Samantha Futerman, Mako, Elisabeth Sung, Kotoko Kamamura, Tsai Chin, Cary Hinoyuki-Sanada, Randall Duk Kim,  Kenneth Tsang, , Eugenia Yuan, Kari Yune, Ted Levine, Paul Adelstein, Tsai Chin, Shizuko Hoshi (voz), Suzuka Ohgo, Zoe Weizenbaum
Género:Drama. Duración: 2 horas y 19 minutos. Premios: 1 Globo de Oro (B.S.O) y 3 Oscars (fotografía, vestuario, dirección artística)
ARGUMENTO
Una veterana geisha cuenta su infancia y juventud en Japón durante 1929-49. Vendida por sus míseros padres a una casa de geishas, donde pasará por muchas humillaciones,y servilismos, luchará para convertirse en geisha para poder acercarse a su secreto amor.
CRÍTICA
Rob Marshall era un famoso coreógrafo, que debutó con brillantez en el cine con el musical  “Chicago” (2002). Después ha realizado  “Nine” (2009), música basado en la película “Fellini8%” (1963) y “Piratas del Caribe. En aguas misteriosas” (2011), cuarta entrega de la exitosa saga. “Memorias de una geisha” es su segunda película. Se trata de una adaptación de la celebrada novela de Arthur Golden, intentada llevar a la pantalla antes por Steven Spielberg.
 Marshall realiza una puesta en escena clásica, con un férreo guión que describe muy bien los dramas de los personajes, muy bien encarnados por el excelente reparto. Tambien ayudan una excelente ambientación, una preciosa fotografía y una cautivadora partitura del maestro Williams. En fín, un film muy interesante, les gustará a los adictos a lo japonés y a los amantes del buen cine
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“Ruby Sparks” (2012) dirigida por Jonathan Dayton & Valerie Thomas (USA)

Ruby Sparks

FICHA TÉCNICA

Producida por Albert Berger & Ron Yerxa, producción ejecutiva de Paul Dano & Robert Graf & Zoe Kazán, producción asociada de T. K. Knowles & John O’Grady & Chuck Ryant, producción de Fox Searchlight & Bona Fide, guión de Zoe Kazan, fotografía de Matthew Libatique, musica de Nick Urata, montaje de Pamela Martin A.C.E, casting de Justine Arteta & Kim David- Wagner, diseño de producción de Judy Becker, dirección artística de Alexander Wei, decoración del set de Matthew Flood Ferguson, vestuario de Nancy Steiner

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Paul Dano, Zoe Kazan, Chris Messina, Annette Bening, Antonio Banderas, Aasif Mandvi, Steve Coogan, Toni Trucks, Deborah Ann Wolf, Elliott Gould, Alia Shawkat

Género: Comedia romántica «indie». Duración: 1 hora 44 minutos. Nominada a 1 Premio «Independent Spirit» (mejor guión)

 ARGUMENTO

 Mientras lucha por superar su bloqueo de escritor y su aburrida vida sentimental, Calvin, un joven veinteañero que en su adolescencia fué un escritor de éxito, crea un bello personaje ficticio llamado Ruby, que le sirve de inspiración. Pero no solamente hace que su profesión vuelva a la vida, sino que Ruby llega a su vida ¡literalmente!. Enfrentándose a una relación de verdad con la que fuera su novia imaginaria, Calvin tiene que decidir si escribir el futuro de esa relación o dejar que se escriba por si misma.

CRÍTICA

Tras debutar con gran brillantez con la tragicomedia “Pequeña Miss Sunshine” (2006), el matrimonio Dayton-Thomas, repiten tras las cámaras, en una historia sobre el amor y que reflexiona sobre como construir una relación y mantenerla. La dirección es muy fluida y envuelve muy bien el excelente guión de Zoe Kazan (la protagonista), mezclando con acierto comedia, romance y drama.

La pareja protagonista tiene mucha química y están muy bien arropados por los secundarios. La fotografía, la música, el montaje ayudan al estupendo resultado final.
 Una película deliciosa, recomendada a los amantes del buen cine romántico menos comercial.
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“El ladrón de palabras” (2012) de Brian Klugman & Lee Sternthal (USA)

El ladrón de palabras
FICHA TÉCNICA
Producida por Jim Young & Tatiana Kelly & Michael Benaroya, producción ejecutiva de Bradley Cooper & Cassian Elwes & Laura Rister & Lisa Wilson, co-producción de James Lejsek & Ben Sachs, producción de CBS Films & Also know as picture & Benaroya Pictures &Animus Films, guión de Brian Klugman & Lee Sternhal, fotografía de Antonio Calvache, musica de Marcelo Zavros, montaje de Leslie Jones, casting de Eyde Belasco, diseño de producción de Michele Laliberte, decoración del set de Fréderique Bolté, vestuario de Simonetta Mariano
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Bradley Cooper, Jeremy Irons, Dennis Quaid, Olivia Wilde, Zoe Saldaña, Ben Barnes, Nora Arnezeder, Zeljko Ivanek, J. K. Simmons, Ron Rifkin, John Hannah, Michael McKean, Ron Rifkin, Brian Klugman, Liz Stauber, James Babson
Género: Drama. Duración: 1 hora 38 minutos
ARGUMENTO
Un autor de éxito lee su nueva novela ante una multitud de entregados fans. En ella nos narra la historia de un escritor fracasado que tiene la fortuna de encontrar un manuscrito, lo publica como suyo y obtiene un éxito espectacular que lo encumbra como uno de los mejores escritores de su tiempo. Pronto descubriremos que el autor de ese manuscrito, es un anciano que lo escribió durante su juventud, cuando estuvo destinado en París tras la 2º Guerra Mundial. Allí encontró al amor de su vida…
CRÍTICA
Brian Klugman y Lee Sternhall debutan como directores en el cine, después de trabajar como actores y guionistas. Es una historia que han tardado 11 años en llevar a la pantalla y el resultado es una interesante película. La dirección es ágil y apoya al inteligente guión (hilvana con fluidez las tres historias), la preciosa fotografía y música y las estupendas interpretaciones de todo el reparto (con mención especial a Jeremy Irons).
Reflexiona con acierto sobre varios temas interesantes como el talento, la mentira, la creación artística o las consecuencias de nuestros actos. En suma, una interesante propuesta para gente con buen gusto.
de

“Tipos Legales” (2012) de Fisher Stevens (USA)

Tipos legales
FICHA TÉCNICA
Producida por Gray Lucchesi & Tom Rosenberg & Jim Tauber, produccion ejecutiva de Mark Berenson & Ted Gidlow & Bingham Ray & Eric Reid & Bruce Toll, producción de Lionsgate & Lakeshore Entertainment & Sidney Kimmel Entertainment, guión de Noah Haidle, fotografía de Michael Grady, diseño de producción de Maher Ahmad, musica de Lyle Workman, montaje de Mark Livolsi, casting de Deborah Aquila & Tricia Wood, direccion artística de Thomas T. Taylor, decoración del set de Kathy Lucas, vestuario de Lindsay McKay
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Al Pacino, Christopher Walken, Alan Arkin, Julianna Margulies, Mark Margolis, Lucy Punch, Addison Timlin, Vanessa Ferlito, Katheryn Winnick, Bill Burr, Craig Sheffer, Yorgo Constantine, Weronica Rosati, Keone Yung, Courtney Platt,
Género: Comedia criminal. Duración: 1 hora 35 minutos
ARGUMENTO
Val ha pasado 28 años en prisión por negarse a chivarse de sus asociados criminales. Su mejor amigo, Doc, va a recogerlo y le lleva a disfrutar de su libertad, yendo a casas de citas o a bailar, pero Doc tiene el encargo del mafioso Claphands de matar a Val antes del amanecer. Pero antes sacarán del asilo a su viejo amigo Hirsch y se meterán en problemas.
CRÍTICA
Fisher Steven (1963) es un actor, productor, director de cine, TV y teatro nacido en Illinois. Estudió interpretación en Nueva York, donde inició una amplísima carrera en Broadway antes de saltar al cine con el film de terror “La quema” (1981) y entre sus films como actor destacan “Cortocircuito” (1986), “Cortocircuito 2” (1988), “El misterio Von Bullow” (1990) “Sólo tú” (1994), “Cold Fever” (1995) y en varias series de TV como “Medium”, “El Mentalista” o “Numbers”.
Debutó en la dirección primero en TV y en cine en 2002 con “Beso en Manhattan” y cinco años después el documental “Crazy love” (2007).
Stevens ha realizado una película muy interesante, un film criminal de tono  nostálgico y crepuscular, con una eficaz dirección, un buen guión y una realista fotografía  y, sobre todo, unas excelentes interpretaciones, sobre todo el trio protagonista. Sin ellos la película perdería mucho. El film tiene algunos momentos muy buenos, como las conversaciones Pacino-Walken, el baile en la discoteca o la persecución automovilística. Son criminales viajes, cuyo arrugado rostro nos dice muchas cosas, pero con ganar de seguir luchando. En resumen, un film recomendable para los aficionados al género criminal y a sus protagonistas.
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“La vida de Pi” (2012) dirigida por Ang Lee (USA)

La vida de Pi
FICHA TÉCNICA
Producida por Gil Netter & Ang Lee & David Womarck, producción ejecutiva de Dean Georgaris,producción asociada de Kevin Richard Buxbaum & William M. Connor & Michael J. Malone, co-producción de David Lee,  guión de David McGee (basado en la novela de Yann Martel), fotografía de Claudio Miranda, ASC, musica de Michael Danna, montaje de Tim Squyes, A.C.E, casting de Avy Kauffman, diseño de producción de David Gropman, dirección artística de Al Hobbs, vestuario de Arjun Bhasin, efectos visuales de varias compañias
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Suraj Sharma, Irrfan Khan, Tabu, Rafe Spall, Ayush Tandon, Adil Hussain, Gautam Belur, Gerard Depardieu
Género: Drama. Duración: 2 horas 1 minuto. Premios: Globo de Oro Banda Sonora original y 4 Oscars (director, fotografía, B.S.O y efectos visuales)
ARGUMENTO
Un escritor necesitado concierta por recomendación de un amigo una entrevista en Canadá con Piscine Militor Patel, conocido abreviadamente como Pi. De origen indio, Pi es supuestamente dueño de una historia increÍble sobre su vida, tan asombrosa que cualquiera que la escuche acaba creyendo en Dios. Intrigado, el escritor escucha el relato sobre la vida de Pi, cuya familia tenía un zoo en Pondincherry (India) en los años 70. Su padre se ve obligado a desprenderse del negocio y viaja con los suyos a Canadá, donde piensa vender los animales. Fatalmente, el barco japonés donde viajan naufraga y Pi es el único superviviente, el cual sobrevive con una barca, acompañado de un feroz tigre llamado “Richard Parker”.
CRÍTICA
Ang Lee, nacido en Taiwan en 1954, es uno de los más interesantes realizadores actuales. Se graduó en el Colegio Nacional de Arte (donde le interesó el teatro y el arte) a los 21 años. Después, a pesar de intentarlo, no puede hacer teatro pero descubrió su vocación cinematográfica. En 1979, tras hacer el servicio militar, viaja a USA para aprender cine. Primero estudia dirección teatral en Illinois y luego dirección en la Universidad de Nueva York. Allí hizo una película universitaria en 1983 ayudado por el futuro director Spike Lee. Hizo varios cortos y durante varios años tuvo trabajos inestables
 Debutó como director en su país con “Pushing Hands” (1992), comedia dramática que le dió a conocer y se consolidó como director de las prestigiosas y premiadas “Banquete de boda” (1993) y “Comer, beber y amar” (1994). Esto le abrió las puertas de Hollywood donde realizó diferentes películas: el drama decimonónico “Sentido y sensibilidad” (1995), la crítica de los 70 “La tormenta de hielo” (1999) o el western bélico “Cabalga con el diablo” (1999). Estas películas muestras su gran talento, que se vió consolidado con la co-producción con China “Tigre & Dragón” (2000), intensa historia de amor y artes marciales de época. Luego realizó “Hulk” (2003), personal e infravalorada visíón del cómic, y “Brockeback Mountain” (2005) su primer Oscar como director. Luego rodó dos películas más que no han tenido mucho éxito.
 Pero se ha recuperado con “La vida de Pi”, vigorosa, sensible y muy humana adaptación de la famosa novela de Yann Martel. La dirección es muy buena, el guión está muy bien estructurado y describe muy bien a los personajes, magníficamente interpretados casi todos por desconocidos, la fotografía es preciosa (la escena de la tormenta, los atardeceres), la música es muy emotiva y los efectos especiales digitales están muy bien hechos (impresionante el tigre Richard Parker). La cinta es muy interesante ya que al repasar su vida, Pi habla de los grandes temas (familia, religion, esperanza, muerte) de forma muy sincera y nada cínica. La recomiendo por ser una de las mejores películas de su autor y del año, recomendada al público con sensibilidad.
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“Ultimo tren a Katanga” (1968) dirigida por Jack Cardiff (GRAN BRETAÑA-USA)

El último tren a Katanga
FICHA TÉCNICA
Producida por George Englund, producción de Metro-Goldwyn Mayer (MGM), guión de Quentin Verty & Adrian Spies (basado en la novela de Wilbur A. Smith), fotografía de Edward Scaife, musica de Jacques Loussier, montaje de Ernest Walter,  casting de Irene Howard, dirección artística de Elliot Scott
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Rod Taylor, Yvette Mimieux, Jim Brown, Peter Carsten, Kenneth More, André Morell, Olivier Despax, Guy Deghy, Bloke Modisane, Calvin Lockhart, Alan Gifford, David Bauer, Murray Kash, John Serret, Danny Daniels
Género: Aventuras. Duración: 1 hora 36 minutos
ARGUMENTO
Guerra Civil del Congo (1960-63). Un grupo de mercenarios de élite al servicio del gobierno congoleño, reciben la orden de viajar en un tren a vapor que cruza el Congo, intentando rescatar  a un grupo de civiles amenazados por fuerzas rebeldes (llamados “Los simbas”) y a la vez  recuperar un alijo de diamantes.
CRÍTICA
Jack Cardiff (1914-2009) fue un prestigioso director de fotografía y director de cine. De niño fue actor en varias películas mudas y a los 15 años se hizo asistente de cámara y mensajero de producción para “International Pictures”. En 1935 debutó como operador y director de fotografía (hizo en 1937 la primera película británica en technicolor). Durante la 2º Guerra Mundial trabajó en films sobre información pública y documentales sobre la India. Debutó en el cine como director de fotografía con “Una cuestión de vida y muerte” (1946) de Michael Powell & Emeric Pressburger. Entre sus mejores trabajos como fotógrafo destacan “Narciso negro”(1947) y “Las zapatillas rojas (1948) de Emeric & Pressburger “La Reina de África” (1951) de John Huston, “Pandora y el holandés errante” (1951) de Albert Lewin, “La condesa descalza” (1954) de Joseph L. Mankiewickz, «Guerra y paz” (1956) de King Vidor, “El Principe y la corista” (1957) de Laurence Olivier “Los vikingos” (1958) de Richard Fleischer o “Muerte en el Nilo” (1978). Se retiró con “Rambo” (1985) de George Pan Cosmatos.
Debutó como director de cine en 1950, realizando 14 películas entre este año y 1974, algunas tan estimables como “Hijos y amantes” (1960), “Mi dulce geisha” (1962), “”Los invasores” (1963) , “El soñador rebelde” (1965) o “El último tren a Katanga” (1968).
 “El último tren a Katanga” es un film del que había oído mucho hablar y que tenía muchas ganas de ver. No me ha decepcionado en absoluto. La dirección de Cardiff es muy buena, aprovechando muy bien los escenarios, con un guion inteligente, una realista fotografía e impactante música. Los actores están muy bien, sobretodo Rod Taylor y Jim Brown. En este film los personajes son sádicos, endurecidos, idealistas, violentos con una atmósfera oscura de violencia y corrupción. Las escenas de los rebeldes son muy duras y recordarán a los que recuerden la historia del Congo.
En resumen una película estupenda, dura interior y exteriormente y recomendada a los seguidores del cine de aventuras mas duro.