Autor: miguel

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Ático sin ascensor (2014) dirigida por Richard Loncraine (USA)

Atico sin ascensor

FICHA TÉCNICA

Producida por Curtis Burch & Morgan Freeman & Charlie Peters & Lory McCreary & Tracy Peters, producción ejecutiva de Gary Ellis & Morgan Freeman & Bob Gass & Judy Burch Gass & Sam Hoffman & Richard Toussaint, producción de Revelations Entertainment & Latitude Productions & Lascaux Films, guión de Charlie Peters (basada en la novela de Jill Climent «Medidas heroicas), fotografía de Jonathan Freeman, musica de David Newman, montaje de Andrew Marcus, casting de Shani Ginberg, diseño de producción de Brian Morris, dirección artística de  Scott Doughan, decoración del set de Alexandra Mazur, vestuario de Arjun Bashin

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Morgan Freeman, Diane Keaton, Cynthia Nixon, Carrie Preston, Claire Van der Bloom, Korey Jackson, Miriam Shor, James Claude Bristow, Joanna P. Adler, Alysia Reiner, Sterling Jerins, Josh Pais, Liza J. Bennett, Diane Ciesta, Gary Wilmes

Genero: Comedia agridulce. Duración: 1 hora 32 minutos

ARGUMENTO

Una pareja, Alex, afroamericano artista, y Ruth, maestra blanca, no han podido tener hijos, llevan ya casados mas de 40 años. Durante un fin de semana algo frenético por una alarma terrorista en Manhattan, intentan vender su ático neoyorkino al que no se puede acceder sin ascensor, y comprar otra vivienda con mayor accesibilidad, algo conveniente por los achaques de salud, que les afectan a ellos y a su querida perra. Les ayuda en la operación su sobrina, agente inmobiliaria.

CRITICA

Richard Loncraine es un director de cine y t.v ingles nacido en 1946. Cursó estudios de literatura y arte, especializándose en diseño. Algún tiempo después entró en la Escuela de Cine del Royal College of Art. Dirige documentales para t.v y programas científicos. Realizó tambien numerosos spots publicitarios. Debuta de la mano del director David Puttnam con «Flame» (1975), a la que sigue «Circulo de terror» (1977) con Mia Farrow. Tras un par de peliculas mas y una t.v triunfa con «Ricardo III» (1995), curiosa traslación de la obra de Shakespeare a la Inglaterra de los años 30, nominada a 2 Oscars y 1 Globo de Oro. A está siguen dos «tv-movies», un episodio de la miniserie «Hermanos de sangre» (2001)  y peliculas como «Wimblendon. El amor está en el juego» (2004) o «Farewall» (2006).  De el solo he visto «Farewell y está última (me parece un buen director). Ahora realiza «Ático sin ascensor», agradable y eficaz comedia con la pareja Freeman- Keaton. La pelicula me ha gustado bastante, con una buena dirección, un guión poco original pero muy eficaz, una bonita fotografía y una agradable musica (son muy bonitas las canciones) y sobretodo una espléndidas interpretaciones, sobretodo de su maravillosa pareja protagonista (ellos solo valen una entrada).  Ademas el film hace un bonito homenaje a la ancianidad y al amor conyugal. Recomendable.

 

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La visita (2015) escrita y dirigida por M. Night Shyamalan (USA)

 

 

La visita

FICHA TÉCNICA

Producida por M. Night Shyamalan & Jason Blum & Mark Bienstock, produccion ejecutiva de Ashwin Rajan & Steven Schneider, producción de Blumhouse Productions & Blinding Edge Pictures , fotografía de Maryse Alberti, montaje de Luke Franco Ciarrochi, casting de Douglas Aibel, diseño de producción de Naaman Marshall, dirección artística de Scott G. Anderson, decoración del set de Christine Wick, vestuario de Amy Westcott

FICHA ARTÍSTICA

Olivia DeJonge, Ed Oxenbould, Peter McRobbie, Deanna Dunagan, Kathryn Hann, Celia Keegan-Bolder, Samuel Stricken, Patch Darragh, Jorge Cordoba

Género: Terror. Duración: 1 hora 34 minutos

ARGUMENTO

Becca y Tyler, hermanos adolescentes, van a pasar unos dias a la solitaria casa de sus abuelos, con los que su madre soltera corto toda relación al quedarse embarazada siendo adolescente. La estancia podría ser el inicio de la deseable reconciliación, y Becca, aspirante a cineasta, está dispuesta a grabar toda la estancia con su cámara de video, para así montar un documental sobre el tema. El caso es que los recién conocidos abuelos, a pesar de su aspecto bondadoso y un supuesto historial de servicio a la comunidad, resultan ser bastante «raritos»

CRITICA

M. Night Shyamalan es un director y guionista de cine hindú nacido en 1970. Ha desarrollado toda su vida personal y profesional en USA. Graduado en Nueva York, desde muy joven empezó a juguetear con el cine y a realizar pequeños cortos en Super 8. Mientras todavía era estudiante rodó «Praying with Anger» (1995), una pelicula de corto autobiográfico que él mismo protagonizaba. Influido por Alfred Hitchcock y Steven Spielberg, debutó en el cine con «Los pequeños amigos» (1998) y tuvo enorme éxito con «El sexto sentido» (1999), excelente film de terror con Bruce Willis y Haley  Joel Osment.  Siguió construyendo se una filmografía muy personal en el fantástico con «El protegido» (2000), «Señales» (2002) y «El bosque» (2004), trabajando siempre con grandes actores como Samuel L. Jackson, Mel Gibson, Joaquin Phoenix o William Hurt. Tras las personales e incomprendidas «La joven del agua» (2006) con Paul Giamatti y «El incidente» (2008) con Mark Wahlberg, hizó dos peliculas muy comerciales sin éxito: «Airbender, el último guerrero» (2010) y «After Earth» (2013). Night es un de mis directores favoritos contemporáneos y ahora nos presenta «La visita», un film de terror mas barato y personales que sus dos anteriores peliculas. El resultado es un trabajo muy eficaz, que merece verse. La dirección de Shyamalan es muy fluida, el guión no es muy original pero funciona, la fotografía es muy bonita, el montaje es adecuado y los actores están muy bien, sobretodo los niños protagonistas. Se nota la mano del director en algunas secuencias muy inquietantes , y reflexiones valiosas sobre la familia, el cuidado a ancianos, el drama del divorcio y el perdon. Hay dos o tres momentos bastante violentos (sin pasarse) pero esto lo compensa con unos cuantos golpes de humor, algunos muy divertidos. Como el film ha tenido éxito en USA espero que Night siga recuperándose. Por último, destacar la casi ausencia de música, un dato curioso. Recomendable.

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“El Profesor» ( Detachment) (2011) dirigida por Tony Kaye (USA)

El profesor
FICHA TÉCNICA
Producida por Austin Stark & Benji Kohn & Chris Papavasiliu, producción ejecutiva de Adrien Brody & Peter Sterling & André Laport, co-producción ejecutiva de Marco Frigeri, producción de Paper Street Films & Kingsgate Films & Appian Way,guion de Carl Lund, fotografía de Tony Kaye, musica de The Newton Brothers, supervisión musical de Andy Gowan, montaje de Barry Alexander & Geoffrey Richman, diseño de producción de Jade Healy,
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Adrien Brody, Marcia Gay Harden, Christina Hendricks, William Petersen, Bryan Cranston, Tim Blake Nelson, Betty Kaye, Sami Gayle, Lucy Liu, Blythe Danner, James Caan
Género: Drama escolar. Duración: 1 hora 34 minutos. Mejor contribución artística Tokio 2011, Público Sao Paulo 2011
ARGUMENTO
Henry Barthes es profesor sustituto, que va de instituto de instituto haciendo suplencias. Ahora acaba de llegar a uno especialmente conflictivo. De rostro permanentemente triste, se toma sin embargo muy en serio su trabajo de profesor de literatura con sus alumnos, su deseo es darle armas para enfrentarles a un mundo que inevitablemente les va a desilusionar igual que a él, pero en el que se puede vivir al menos con cierta dignidad, dando amor y haciendo lo correcto. Además de las relaciones que establece en el instituto con alumnos y colegas, Henry tiene una vida fuera de las aulas donde le toca ocuparse de su abuelo senil, que fue quien le crió, y de Erica, una adolescente prostituta a la que ha rescatado de la calle. Sin embargo, un ego tremendamente pesimista le cubre de una capa de impenetrabilidad, que impide un trato normal con sus semejantes.
CRÍTICA
Tony Kaye (1952) es un director británico de cine, videos musicales, anuncios y documentales. Tras realizar varios videoclips para gente tan prestigiosa como Johnny Cash, Red Hot Chili Peppers, Soul Ayslum, debutó en el cine con “American History X ” (1998), impactante alegato antirracista con un soberbio Edward Norton que tuvo un gran éxito (a pesar de las desavenencias entre Kaye y Norton).
Su siguiente largometraje fue  “Lago de fuego” (2006), polémico documental sobre el aborto y “Tránsito de agua negra” (2010), film inacabado por quiebra de la productora.
Ademas de su trabajo como director, Kaye es pintor y ha participado en varias exposiciones y utilizó la cámara “Photo Panasonic” por 1º vez y escritor y músico.
“El profesor” (2011) es su cuarta película y es un duro alegato sobre el lamentable estado del sistema educativo actual. La dirección de Kaye es original y muy vigorosa, el guión muy interesante, la fotografía y la música son muy buenas y las interpretaciones son soberbias, sobre todo Adrian Brody (en uno de sus mejores trabajos). El film da un repaso a todos los problemas de la educación (estudiantes conflictivos, padres poco colaboradores, familias desestructuradas, poco reconocimiento a la labor decente) con rigor y dureza, pero de forma honesta. En suma, un film muy interesante que da que pensar  (y discutir)y que mete el dedo en la llaga sobre las carencias de la materialista  e individualista sociedad actual.
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“Martha, Marcy, May, Marlene” (2011) dirigida por Sean Durkin (USA)

 Martha, Marcy, May, Marlene
FICHA TÉCNICA
Producida por Josh Mond & Antonio Campos & Chris Maybach & Patrick Cunningham, producción ejecutiva de Ted Hope & Saeme Kim & Saerom Kim & Matt Palmieri & Alexander Schepsman, producción asociada de Brett Porter & guión de Sean Durkin, fotografia de Jody Lee Lipes,  musica de Sander Jurrianns & Danny Bensi, montaje de Zac Stuart Pointer & Brian Zellinger, casting de Randi Glass & Susan Shopmaker, diseño de producción de Chad Keith, dirección artística de Jonathan Gugenheim, vestuario de David Tabbert,
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Elisabeth Olsen, John Hawkes, Sarah Paulson, Hugh Dancy, Brady Corbett, Christopher Abbott, Maria Dizzia, Lousa Krause, Julia Garner
Género: Drama. Duración: 1 hora 37 minutos. Mejor director Festival de Cannes 2011, Mirada Joven Festival de Cannes 2011
 ARGUMENTO
Martha vive en un precario equilibrio mental tras su experiencia comunitaria en una extraña secta. Con intención de volver a la normalidad acude a su hermana Lucy, de la que estaba distanciada, pero ella y su cuñado, que ignoran todo lo que ha pasado Martha, tienen dificultades para hacerse cargo de su estado y prestarle ayuda. Y es que en la cabeza de Martha realidad, ilusión y recuerdos no se diferencian demasiado.
CRÍTICA
Sean Durkin (1981) es un director estadounidense de cine. Nació en Canadá pero se mudó a Inglaterra poco después, criándose  en Londres y Surrey hasta los 12 años, donde fue a Nueva York (USA).
Se graduó en la Universidad de Kent, Connecticuc en 2000 y asistió a la escuela de cine en la Universidad de Nueva York, donde se graduó en 2005 y presentó su película de tesis un año después.
En 2010 ganó el premio al mejor cortometraje en la quincena del realizadores del Festival de Cannes. Un año después debutó en el cine  con  “Martha, Marcy, May, Marlene”. En su debut, Durkin realiza una sólida puesta en escena, muy sobria y controlada, con un cuidado guión, una estupenda fotografía, una inquietante musica y unas excelentes interpretaciones, sobre todo de la novel Elisabeth Olsen.
El film explica muy bien como las sectas captan a jóvenes, aprovechándose que no tienen claros referentes morales y lavándoles el cerebro para que les obedezcan, haciéndoles hacer cosas terribles (como se ve en ciertas secuencias) y no dejándoles pensar. La protagonista está tan traumatizada que no es capaz de hablar con su familia, aunque ellos intenten conectar con ella.
En suma, un film muy interesante y muy duro, que avisa de los peligros de ciertas ideologías, que se aprovechan de las debilidades humanas.
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“Gracias por fumar” (2005) dirigida por Jason Reitman (USA)

Gracias por fumar
FICHA TÉCNICA
Producida por David 0’Sacks , producción ejecutiva de Michael Beugg & Alessandro Camon & Max Levchin & Elon Musk & Edward R. Pressman & John Schmidt & Peter Thiel & Mark Whoolway, producción asociada de Eveleen Brandy & Stephen Belafonte & , co-producción de Daniel Brunt & Daniel Dubieski & Mindy Marin & Michael R. Pressman, producción de Fox Searchlight, guión de Jason Reitman (de la novela de Christopher Buckley), fotografía de James Whittaker,  musica de Rolfe Kent, supervisión musical de Peter Afterman & Margaret Yen,montaje de Dana E. Glauberman, casting de Mindy Marin, diseño de producción de Steven Saklad, , decoración del set de Kurt Meinsenbach, vestuario de Danny Glicker
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Aaron Eckhart, Maria Bello, Cameron Bright, Adam Brody, Sam Elliott, Katie Holmes, David Koechner, Rob Lowe, William H. Macy, J. K. Simmons, Robert Duvall, Kim Dickens
ARGUMENTO
Nick Naylor es un atractivo y carismático treinteañero relaciones públicas de una gran tabacalera que lucha por defender el derecho a fumar de los estadounidenses (aunque esto pueda acabar con él) y al mismo tiempo seguir siendo un ejemplo para su hijo de 12 años. Al toparse con la ira de un Senador decidido a apagar el humor de todos los cigarrillos, la capacidad de Nick para “filtrar la verdad” se pondrá a prueba. Como dice Nick “si quieres un trabajo fácil vete a la cruz roja”
Género: Comedia ácida. Duración: 1 hora 28 minutos. Nominada a 2 Globos de Oro (pelicula y actor de comedia)
CRÍTICA
Jason Reitman nació en Montreal (Canadá) en 1977. Conoció el mundo del cine desde pequeño, ya que su padre fue Ivan Reitman, realizador de títulos tan conocidos como “Los cazafantasmas” (1984), “Peligrosamente juntos” (1986), “Los gemelos golpean dos veces” (1988)  “Los cazafantasmas 2 ” (1989)  “Poli de guardería” (1990) o “Dave. Presidente por un día” (1993).
 A los diez años ya filmaba cortos con la cámara casera  de su padre, que le animaba a seguir sus pasos. Debutó en el cine como actor, en algunas películas de su padre, además le acompañaba durante horas en la mesa de montaje e hizo sus pinitos como asistente de producción. Tras graduarse en en Instituto Harvard-Westlake, se especializó en inglés y escritura creativa en la USC (Universidad del sur de California). Durante sus años universitarios desarrolló su ingenio, montando una empresa dedicada a la venta de calendarios, con cuyos beneficios realizó su primer corto, “Operación” sobre el tráfico de órganos humanos.
Exhibió su corto en el Festival de Sundance, donde no tuvo éxito, pero Reitman logró hacer contactos. Su siguiente trabajo, “Consent” tuvo más éxito, ya que ganó el premio al mejor corto en el Festival de Sitges, una alocada comedia escrita junto a Michelle Lee, con la que se casó en 2004. Le hicieron varias ofertas de cine pero las rechazó hasta encontrar el proyecto adecuado, que fue “Gracias por fumar” (2005).
Su éxito le hizo realizar “Juno” (2007) excelente tragicomedia que supuso su salto a la fama y ganó varios premios. Desde entonces se ha convertido en uno de los directores más interesantes de su generación, confirmando sus talento con las espléndidas “Up in the air” (2009) y “Young adult” (2011). “Gracias por fumar”  es una magnifica película. La dirección es muy buena, el guión muy inteligente, la fotografía y música están muy cuidadas, con un trabajo espléndido de todo el reparto. De tono ácido y crítico, Reitman da palos a todo el mundo (políticos, periodistas, empresas, t.v etc),  critica la  manipulación informativa y la moral de “lo políticamente correcto” y apuesta por la educación, la libertad y la responsabilidad del ciudadano. Un film estupendo, que hace pensar.
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“Primary Colors” (1998) dirigida por Mike Nichols (USA-REINO UNIDO-FRANCIA-ALEMANIA-JAPÓN)

Primary colors
FICHA TÉCNICA
Producida por Mike Nichols, guión de Elaine May (basada en la novela de Anonymus), producción ejecutiva de Neil Machlis & Jonathan Krane,producción asociada de Michael Halley, co-producción de Michael Imperato, producción de Icarus, distribución de Universal Pictures & Mutual Film Company, fotografía de Michael Ballhaus, musica de Ray Cooder, montaje de Arthur Schmidt, casting de Juel Bestrop & Ellen Lewis & Greg McKay & Juliet Taylor, diseño de producción de Bo Welch, direccion artística de Tom Duffield, , decoración del set de Cheryl Carasik, diseño de vestuario de Ann Roth,
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: John Travolta, Emma Thompson, Billy Bob Thornton, Kathy Bates, Adrian Lester, Maura Tierney,  Larry Hagman, Diane Ladd, Paul Guilfoyle, Rebecca Walker, Caroline Aaron, Tommy Hollis, Rob Reiner, Ben Jones, C.J. Quinn, Allison Janney, Mykelty Williamson, James Denton
Género: Drama político. Duración: 2 horas y 17 minutos. Nominada a 2 Oscars y 2 Globos de Oro
ARGUMENTO
USA 1992. Jack Stanton, gobernador demócrata de un estado sureño, vive inmerso en la campaña para la presidencia del país. Apoyado por su mujer y un grupo de colaboradores cercanos, trabaja sin descanso para conseguir votos.
El coordinador de la campaña es Henry, un joven idealista negro, nieto de un líder por los derechos civiles. En plena campaña, un escándalo sexual salpica a Stanton, lo que obliga a sus familia y a su equipo a cerrar filas en torno a él.
CRÍTICA
Mike Nichols nació en Berlín (Alemania) en 1931 con el nombre de Michael Igor Pechkowsky en el seño de una familia judía germano-rusa. Su familia huyó a USA tras la llegada de Hitler al poder en 1933. En 1939 se nacionalizó estadounidense. Su vocación artística surgió cuando estudiaba en la Universidad de Chicago, donde formó una compañía teatral con Alan Arkin, Elaine May y Barbara Harris. Se dedicaron a las improvisaciones humorísticas. Tiempo después se separaron por diferencias creativas pero años después se reconciliaron.
 En 1963 debutó como director teatral con gran éxito y Nichols descubrió así su vocación. Dirigió en Broadway varias veces y ha recibido varios premios. Debutó en el cine en 1966 con “¿Quien teme a Virginia Woolf? “ , exitazo con Richard Burton y Elisabeth Taylor, el cuál siguió con la la tragicomedia “El graduado” (1967) con Dustin Hoffman; la sátira antimilitarista “Trampa 22” (1970) y la escandalosa “Conocimiento carnal” (1971). Pero el fracaso del thriller “El día del delfín” (1973) y la comedia “Dos pillos y una herencia” (1975) le hicieron refugiarse en el teatro y la televisión.
Regresó al cine con la denuncia social de “Silkwood” (1983), “Se acabó el pastel” (1986) y “Desventuras de un recluta inocente” (1988). Sus dos películas con Harrison Ford “Armas de mujer” (1988) y “A propósito de Henry” (1991) son una dura crítica de la falta de ética en el mundo empresarial, al igual que “Lobo ” (1994) con Jack Nicholson. En los últimos años ha producido la miniserie “Angels en América” (2003) y las películas “Closer” (2004) y “La guerra privada de Charlie Wilson” (2007), estas últimas con poco éxito.
De Nichols he visto 4 o 5 películas y me parece un buen director con buenos argumentos y gran director de actores.En 1998 adaptó una novela escrita por un periodista del Washington Post, basada en los escándalos sexuales del Presidente Bill Clinton con la becaria Monica Lewinksy, con el que los protagonistas del film tienen bastante parecido. La dirección de Nichols es muy cuidada, el guión es muy rico en personajes y situaciones, los actores están estupendos, y la música, el montaje y la fotografía apoyan muy bien. El tono a veces es algo descarnado, pero hace pensar.
En resumen, recomendada a los aficionados al buen cine político.
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«Trash, ladrones de esperanza» (2014) de Stephen Daldry. (GRAN BRETAÑA-BRASIL)

 

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FICHA TÉCNICA
Producida por Tim Bevan & Eric Fellner & Kris Thykier, producción ejecutiva de Andrea Barata Ribeiro & Bel Berlicnk & Lisa Chazin & Amelia Granger & Fernando Meirelles, , producción asociada de Pip Sansom,, producción de Working Tittle Films & PearPie & O2, guión de Richard Curtis (basada en la novela “Reyes de la basura” de Andy Mulligan), fotografía de Adriano Goldman, música de Antonio Pinto, montaje de Elliot Graham, casting de Chico Accioli & Anna Luisa Almeida,  diseño de producción de Tulé Pico, dirección artística de Pedro Equi, vestuario de Biga Salgado

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Rickson Estevez, Eduardo Luis, Gabriel Weinstein, Martin Sheen, Rooney Mara, Wagner Moura, Selton Mello, Rickson Estevez, Christiane Amanpour, Jesuita Barbosa, Daniel Zetter, Nelson Xavir
Género:Drama social de aventuras juveniles. Duración: 1 hora 53 minutos

Argumento

Un hombre que huye de la policia, arroja la cartera que buscaban al vacio, y va a parar a un camión de la basura, que la deposita en uno de esos vertederos de Río de Janeiro, donde decenas de niños de las favelas se ganan la vida rebuscando entre los escombros. Acaba encontrándola el pequeño Rafael, que comparte el dinero que había en su interior con su amigo Garbo. Pronto el lugar se llena de agentes a la busqueda de la cartera perdida, pero los chicos callan, preguntándose que puede tener de valiosa. Con la ayuda de Rato irán averiguándolo poco a poco, metiéndose en numerosos lios; por suerte les ayudan el Padre Julliard y la voluntaria Olivia.

Crítica

Stephen Daldry es un productor y director de teatro y cine ingle´s nacido en 1961.
Tras una exitosa carrera teatral , empezó a trabajar en el cine con el cortometraje “Ocho” (1998). Debutó en la gran pantalla con la maravillosa “Billy Elliott” (2000), a la que siguieron “Las horas” (2002) y “The Reader” (2008), que ganaron muchos premios. Luego hizo el drama “Tan lejos, tan cerca” (2011) y ahora “Trash. Ladrones de esperanza”, adaptación de la famosa novela de Andy Mulligan. El resultada es una brillante y emotiva pelicula, muy bien escrita y dirigida y magnificamente interpretada, sobretodo por los niños protagonistas.
El films auna géneros como el drama, la comedia, la denuncia social y política o el thriller con habilidad y tiene un hermoso mensaje de esperanza y de lucha contra la adversidad.
Absolutamente recomendable.

de

“El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos” (2014) de Peter Jackson. (NUEVA ZELANDA-USA)

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FICHA TÉCNICA

Producida por Carolynne Cunningham & Peter Jackson & Fran Walsh & Zane Weiner, producción ejecutiva de Carolyn Blackwood & Toby Emmerich & Alan Horn & Ken Kamins, producción asociada de Matthew Dravitzki & Amanda Walker, co-producción de Philippa Boyens &Eileen Moran, , producción de New Line Cinema & Metro Goldwyn Mayer & WingNut films & 3Foot7, guión de Frank Wash & Philippa Boyens & Peter Jackson & Guillermo del Toro (según la novela de J.R.R. Tolkien), fotografía de Andrew Lesnie, diseño de producción de Dan Hennah, música de Howard Shore, montaje de Jabez Olsen, dirección artística de Simon Bright & Andrew McLaren, decoracion del set de Mykyta Brazhnyk & Simon Bright & Ra Vincent, vestuario de Bob Buck & Ann Maskrey & Richard Taylor, efectos visuales de Weta Workshop & Weta Digital

FICHA ARTÍSTICA

Intérpretes: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Ken Stott, Graham McTavish, William Kircher, James Nesbitt, Stephen Hunter, Dean 0’Gorman, Aidan Turner, John Callen, Peter Hambleton, Jed Brophy, Mark Hadlow, Adam Brown, Luke Evans, Evangeline Lilly, Orlando Bloom, Stephen Fry, Ryan Gage, Benedict Cumberbatch (solo voz) , John Bell, Cate Blanchett, Hugo Weaving, Christopher Lee, Manu Bennett, John Tui, Billy Connolly, Sylvester McCoy, Ian Holm
Género: Aventuras fantásticas medievales. Duración: 2 hora 24 minutos

Argumento
Smaug, el dragón, dispuesto a asolar la Ciudad del Lago, no es el mayor de los problemas que amenazan a la Tierra Media, pués el enano Thorin “Escudo de roble” está cegado por las riquezas que encierra la montaña de Erebor, y está dispuesto a defenderlas con las armas de elfos y hombres, antes de compartir con ellos lo que es justo. Un ejército de orcos y la amenaza en la sombra de Sauron abrirá los ojos a unos y otros, y no tendrá parte pequeña en el nuevo enfoque de la situación un mediano que solía vivir cómodo en un agujero, llamado Bilbo Bolsón

Critica
3º y última pelicula de la adaptación de “El Hobbit” realizada por Peter Jackson (autor de la trilogía de “El Señor de los Anillos”). Jackson cierra muy bien este tríptico con el film, el más épico de los tres. La dirección es muy buena, el guión es muy rico (mezcla muy habilmente varias acciones paralelas), la fotografía es maravillosa así como la musica del gran Howard Shore.
Los efectos visuales son de primera y las interpretaciones son muy buenas, con el gran reparto que tiene el film. La pelicula es muy fiel al espíritu de Tolkien (lo de engordar el argumento no me importa, no leí ninguna novela), en sus intensas reflexiones sobre la codicia, la valentia, la guerra, el sacrificio, la lealtad y la maldad. En resumen, recomendada a fans del fantástico y del inmortal J.R. R. Tolkien,

de

“Philomena” (2013) de Stephen Frears (REINO UNIDO-USA-FRANCIA)

  • FICHA TÉCNICA
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  • Producida por Gabriel Tan & Steve Coogan & Tracey Seaward, producción ejecutiva de Carolyn Marks Blackwood & Francois Invernel & Christine Lagan & Cameron McCracken & Henry Normal, producción de BBC Film & Pathé & Baby Cow Productions & British Film Institute, guión de Steve Coogan & Jeff Pope (basado en el libro “El hijo perdido de Philimena Lee” escrito por Martin Sixmith y publicado en 2009), fotografia de Robbie Ryan, música de Alexander Desplat & Naomi Donne, montaje de Valerio Banelli, casting de Leo Davis & Lissy Holm, diseño de producción de Alan MacDonald, dirección artística de Sarah Bicknell, decoración del set de Barbara Herman Skelding, vestuario de Consolata Boyle
  • FICHA TÉCNICA
  • Intérpretes: Judi Dench, Steve Coogan, Charlie Murphy, Simone Lahhib, Anna Waxwell Martin, Mare Winningham, Michelle Fairley, Sophie Kennedy Clark, Barbara Jefford, Peter Hermann, Sean Mahon
  • Género: Melodrama. Duración: 1 hora y 37 minutos. Nominada a 4 Oscars y 1 BAFTA. Mejor guión y SIGNIS Festival de Venecia 2013
ARGUMENTO
Philomena Lee, una enfermera jubilada , no ha podido olvidar a pesar de los 50 años transcurridos, al hijo que tuvo cuando era adolescente, y que fue dado en adopción por las monjas del convento irlandés de Roscrea, que acogía a jovenes madres solteras. Aunque siempre ha mantenido el hecho en secreto, un día se lo desvela a su hija, quién propone a Martin Sixmith, un periodista político de la BBC en horas bajas, que las ayuda a dar con “su paradero”. Aunque reticente al principio a escribir sobre un historia de “interés humano” , acaba accediendo, lo que le sumerge en una investigación que le va a cambiar la vida.
Crítica
Stephen Frears es un director de cine británico nacido en 1941. Nacido en Leicester, su madre era trabajadora social y su padre médico y contable. Cursó estudios secundarios durante 1954-58 en la reputada “Escuela Gresham ” en Norfolk, y más tarde estudió Derecho en el Trinity College de Cambridge, donde finalizó sus estudios en 1963. Sin embargo, tras su contacto con John Cleese, David Frost y otros miembros de “Los Monty Phyton”  se sintió atraido por el teatro y luego por el cine. A partir de 1965 trabajó como ayudante de dirección en films como “Morgan, un caso clínico” (1965) de Karel Reisz, “Charlie Bubbles” (1967), de Albert Finney o  “If…” (1968) de Lindsay Anderson.
Pero su carrera se centra en trabajos televisivos, sobretodo para la BBC , donde realizó antológicas series de teatro, y corto político en 1967.
Debuta como director de cine con la comedia de cine negro “Detective sin licencia” (1971), pero no alcanza la fama hasta “Mi hermosa lavandería” (1985), a la que siguen títulos como “Ábrete de orejas” (1987) o “Sammy y Rosie se lo montan” (1987), que tratan con crudeza temas como la homosexualidad o el racismo. En 1988 debuta en Hollywood con la excelente “Las amistades peligrosas”, que hace que alterne films en USA como “Los timadores” (1990), “Heroe por accidente” (1992) o “Alta fidelidad” (2000) con otros mas sencillos en su país como “Café irlandés” (1993) o “La camioneta” (1996). Yo he visto varios trabajos suyos, los cuales me gustaron mucho (es muy buen director) y su última gran película es “The Queen” (2006). Ahora adapta una historia real y el resultado es una interesante película.
Su dirección está muy cuidada, el guión muy brillante, la fotografía y música son de gran calidad y el montaje dota a la película de un ritmo sereno, aunque lo mejor son las interpretaciones, sobretodo el electrizante duelo entre Judy Dench y Steve Coogan. Hay que hablar del contenido, que tiene un fuerte carácter anticatólico (casi todas las monjas son siniestras, se ironiza sobre la moral de la Iglesia), pero no llega a serlo por completo por la actitud de Philomena ( a pesar de su dolor ha aprendido a perdonar y aún es creyente) y critica al periodista (muy cínico y descreído) y al periodismo sensacionalista. En fin, un film de interés, pero hay que verlo desde la adecuada perspectiva.
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“Un hombre en el tejado” (1976) dirigida por Bo Widerberg (SUECIA)

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FICHA TÉCNICA
Producida por Per Berglund, guión de Bo Widerberg (del bestseller «Un hombre abominable» de Maj Sjowal & Per Wahloo), dirección de producción de Stefan Jark & Suzanne Branner, musica de Bjorn J:Son Lindh, escenografía de Ulf Axén, sonido de Lennart Dunér & Peter Ekvall, montaje de Bo Widerberg & Sylvia Ingemarsson, fotografia de Odd Geir Saether & Pell Kállberg
FICHA ARTÍSTICA
Interpretes: Karl Gustav Lindstedt, Sven Wollter, Eva Remaus, Thomas Hellberg, Hákan Serner, Birgitta Valdberg, Harlad Hamrell, Ingvar Hirdvall, Gus Dahlstrom, Bellan Roos, Torgny Andenberg, Folke Hjort, Carl-Axel Heinkert
ARGUMENTO
El Teniente de la policía Nyman es brutalmente asesinado en un hospital de Estocolmo. Martin Beck y sus colegas inician la investigación del homicidio. Nyman era un policía conocido por la brutalidad de sus métodos y acumulaba muchas quejas por sus actuaciones. Entre ellas, la de Áke Eriksson cuya esposa murió bajo su custodia policial. Eriksson sube a un tejado en el centro de Estocolmo y empieza a disparar sembrando el pánico entre los transeúntes.
CRÍTICA
Bo Widerberg (1930-97) fue un escritor, agente y director de cine sueco. Comenzó su carrera como escritor en 1952 con “Otoño” y hasta su muerte publicó novelas, cuentos ensayos y una obra teatral. Debutó en el cine en 1963 con “El carro de bebé” y obtuvo el reconocimiento internacional con “Elvira Madigan” (1967). Realizó 13 películas hasta su muerte (de las cuales yo no he visto ninguna). Tambien rodó películas para televisión y dirigió obras teatrales.
“Un hombre el el tejado” es un notable film, rodado con mucha seguridad, con tono sobrio y conciso. La fotografía y la música son excelentes así como el estupendo reparto de desconocidos (al menos para mí). Es una dura crítica de la corrupción policial, sobretodo de ese “falso corporativismo” que permite todo tipo de abusos. En ese sentido me recordó a películas de Sidney Lumet y la parte de acción está muy bien rodada. Resumiendo, una muestra del mejor cine europeo de género, en el mejor estilo de los 70.